Filed under: Classic Rock
No es el mejor disco de The Moody Blues, pero sí contiene algunas de sus mejores canciones como la estupenda «Never Comes The Day», las dos partes de «Have You Heard» y «Are you sitting Comfortably». Estas piezas demuestran que el grupo continuaba en su viaje psicodelico, pero cada vez más aterrizando hacia un pop sinfónico refinado y elegante.
Otro documento legendario para esta banda, pionera del sinfonismo en el Rock.
Rating: 8
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La trilogía ELP volvió a la vida en el año de 1986, tratando de emular el éxito de Asia, «supergrupo» formado por músicos identificados con el Rock Progresivos, pero que entonces interpretaban un Rock FM bastante adecuado para los años ochenta.
El baterista Carl Palmer formaba parte de aquel Asia, por tanto Keith Emerson y Greg Lake tuvieron que llamar al experimentado percusionista inglés Cozy Powell, quién entre sus créditos figuraba el haber tocado con, Jeff Beck, Rainbow, MSG y Whitesnake. A pesar de no ser un músico completamente identificado con el Rock Sinfónico, Powell resultó ser una interesante adición a la trilogía.
Esta encarnación de ELP coqueteó con el Rock FM, sin embargo las orquestaciones de Keith Emerson se mantienen, adaptándolas a los nuevos sonidos de los sintetizadores ochenteros. La voz de Lake todavía suena muy bien, mientras Powell hace un trabajo excelso en los tambores.
Desafortunadamente, esta encarnación duró muy poco.
El trío reaparecia tres años después con otra formación extraña: Emerson, Palmer y el guitarrista Robert Berry. Ese proyecto se llamaría «Three» y su trabajo me parece inferior al aquí comentado. A pesar de tener cierta influencia pop, «Emerson, Lake & Powell» es aceptable.
Rating: 8
Piezas a destacar: The Score, Touch And Go.
Descargue en el blog Silver Rain.
Notas adicionales:
Lamentablemente Cozy Powell murió en el año de 1998 como consecuencia de un accidente automovilístico. El baterista perdió el control de su vehículo cuando hablaba através de un teléfono celular con su novia.
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El legendario bajista John Wetton vuelve a figurar en la escena del Rock con la formación de un nuevo proyecto llamado Icon en el que comparte creditos con su ex-compañero de Asia, el tecladista Geoff Downes.
La primera impresión es que estas grabaciones servirían simplemente para repasar las ideas ya desarrolladas en Asia. Sin embargo las reseñas favorables publicadas en muchas fuentes indicarían que este proyecto podría entregarnos algo más que una simple nostalgia.
El primer volumen aparecido en el año 2005 presenta a músicos invitados de gran nivel como John Mitchell guitarrista de Arena, Steve Christey baterista de Jadis y las leyendas Ian McDonald saxofonista original de King Crimson y por último, la gran Annie Haslam, vocalista de Renaissance.
Llama la atención el hecho palpable de que la voz de Wetton no ha perdido un ápice de su brillantez. Si bien, en sus grabaciones en solitario, Wetton optaría por interpretar música más comercial, su capacidad músical no se ha visto en lo más mínimo afectada. Por su parte Downes -lo sabemos bien- no es el tecladista más virtuoso de la escena, pero tiene la experiencia suficiente para arreglar de manera correcta las composiciónes.
El segundo volumen llamado «Rubicon» tiene comentarios aún más favorables. Los músicos invitados varían ligeramente: Mientras Mitchell y Christey se mantienen, llega la excelente cantante invitada Anneke Van Giersbergen del grupo The Gathering -Conocida en el ambiente progresivo por haber participado en el álbum de Ayreon Into the electric Castle – y además participa la violinista Katie Jacoby.
Si bien, la música recuerda innevitablemente al Asia original, las opiniones de los críticos señalarían que la música desarrollada por Icon resulta una buena continuación del Pop-Rock creativo de aquella banda sin caer en la vulgar repetición de viejas glorias.
Si usted puede apreciar un Rock sencillo con tendencia artística pruebe descargando ambos discos en el sitio de Progadelic. Recuerde que los enlaces se encuentran en la seccion «comentarios».
Notas adicionales:
El punto negativo es que la creación de este nuevo proyecto, ha servido como pretexto para el lanzamiento de una cantidad excesiva de discos en vivo, singles y Fan Club CDs, con el nombre de Icon. No se confunda, este par de discos son los oficiales en estudio.
En este trabajo el trio canadiense Rush tuvo la gran virtud de combinar el Rock pesado con los conceptos líricos y las suites del Rock progresivo. Mucha gente afirma que este es el disco precursor del sub-género llamado Prog-metal, y no les falta razón.
Lo que inició como un pequeño grupo de Heavy fue evolucionando hasta llegar a una banda de Rock y ciencia ficción, con piezas de alto nivel técnico. El baterista Neil Peart introduce relatos futuristas en las letras y el bajista Geddy Lee aporta ya discretos arreglos en el sintetizador.
En ese tiempo Lee cantaba al tope de su rango alto mientras el guitarrista Alex Lifeson interpretaba solos rápidos y espectaculares. -Posteriormente explotaría las técnicas experimentales y sofisticadas- Aquí es todavía un muy destacado guitarrista de Heavy.
La primera parte del disco comprende la suite «2112» y en la segunda tenemos canciones individuales de Hard Rock.
Rating: 8.5
Piezas esenciales: Overture / The Temples Of Syrinx, A Passage To Bangkok, Something For Nothing.
Descargue en el sitio de Acorde final
Nos guste o no, la música de Rock cambió radicalmente en la década de los ochenta. La principal causa fue el hecho de que ya no era rentable financiar las inquietudes artísticas de los grupos como en las décadas anteriores, sino que ahora se tenía que ser prioritariamente comercial, para poder acceder a las grandes compañías disqueras.
Esto significó la exclusión del Rock Progresivo del entorno musical establecido.
Las bandas se desintegraron, se resignaron a operar en el medio subterráneo o se adaptaron a las nuevas exigencias.
Hubo también grupos que surgieron en medio de esta problemática. Los escoceses Pallas fueron una de esas bandas que lucharían contra un entorno más adverso que el de sus antecesores. Junto con grupos como Marillion, IQ y posteriormente Pendragon, Pallas trataría de reposicionar el Rock Progresivo, o al menos una remembranza de esa música
Su segundo álbum -el primero para una compañía disquera importante- titulado «The Sentinel» presentaba una opción que recuerda cierto espíritu progresivo, principalmente porque tenía el atrevimiento de ser un disco conceptual cuando nadie recordaba en que consistía esa propuesta.
Musicalmente, «The Sentinel» es una colección de temas cortos junto con un par de épicos. El corte de la música es un Hard Rock con tendencias progresivas, presentando coros poderosos y el gancho comercial suficiente para mantener satisfechos a los ejecutivos de la compañia.
Sin embargo, este intento, que artísticamente pudiera tener sus méritos, fracasó comercialmente y todas estás bandas -con la excepción de Marillion– tuvieron que regresar a la escena subterránea.
De modo que este no es un disco progresivo convencional. Si el escucha entiende el contexto historico de este disco y se abstiene de tener expectativas altas, podría llevarse una sorpresa.
Para descargar vaya al blog Dead End
Rating: 7.5
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En el año de 1972 las tensiones entre los miembros de The Moody Blues eran muy fuertes. Las presiones contractuales adquiridas con anterioridad estaban agobiando a un grupo al borde de la desintegración.
Ante esta problemática, el quinteto buscó dejar como legado un buen séptimo album, cerrando esta etapa de manera digna.
Esto se logra gracias a un insoportable -según confiesan los propios miembros en las notas del CD- pero fructífero trabajo en el estudio, The Moody Blues demostró que aún en la situación más incómoda, se puede editar un gran disco. Incluso mejor que algunos de los lanzados anteriormente, en años de armonía interna.
El estilo de Rock orquestal, romántico y melodioso continúa generando dividendos con piezas más ambiciosas como «Isn’t life Strange» escrita por el bajista John Lodge y «New Horizons» escrita por el guitarrista Justin Hayward. Pasando por otras piezas de mérito, el grupo se da el lujo de cerrar con el clasico «I´m Just A Singer In A Rock And Roll Band» de corte más rockero.
Finalmente, la desintegración fue tan solo temporal. Despues de seis años, el grupo estaría de regreso, aunque con una dirección musical diferente.
Para descargar vaya al blog The World Is Only One.
Rating: 8.5
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Un grupo poco apreciado por los progresivos es Traffic, vehículo del -entonces- joven Stevie Winwood para hacer Rock fino con extensos Jams.
Traffic fue junto con The Moody Blues, y Procol Harum de los grupos de Rock más creativos de finales de los años sesenta. A partir de 1971, el grupo toma su segundo aire con nuevos miembros y una orientación menos psicodélica pero más Jazzy.
Siguen siendo parte importante de Traffic el saxofonista y flautista Chris Wood y la inconfundible voz de Winwood, a quienes se les agrega un combo de percusiones a cargo de Jim Capaldi y otros dos músicos, entre ellos el percusionista de color Rebop Kwaku Baah.
La banda no es exageradamente virtuosa; sus composiciones son extensas, refinadas, con extensos y disfrutables solos, pero con una base sencilla y fácilmente digerible.
Este trabajo -quinto en estudio- presenta a un Traffic más seguro de su estilo, con una producción -sonido del disco- muy superior a trabajos anteriores. Las piezas suenan quizás menos aventuradas, pero mejor logradas y más coherentes. Si en algún momento el grupo abrazó la psicodelia, esta brilla por su ausencia, mostrándose en cambio un Traffic más «serio», más maduro e instrumentalmente superior.
Rating: 8,5
Piezas esenciales: Shoot out at the fantasy factory, Uninspired.
Para descargar visite el blog Sakalli
Durante su carrera Nektar grabó discos de muy variada índole. Este es uno de sus discos atípicos. No se trata del Krautrock de sus primeras grabaciones ni tampoco del esplendor progresivo de su album clásico «Remember The Future».
Se trata de un disco conceptual -todas las piezas parecen hablar de temas circenses- pero concebido como una colección de piezas individuales, en lugar de -como lo fueron los álbumes anteriores- una sola pieza extensa.
Esas canciones muestran un acercamiento al Rock más directo, sonando por momentos parecido a Uriah Heep o Wishbone Ash. Sin embargo, Nektar no pierde totalmente su categoría progresiva, mostrando en varias oportunidades sus cualidades psicodélicas e instrumentales. Ciertamente, en segmentos más breves.
La otra novedad, es la inclusión de una sección de metales en varios cortes. El estilo de los arreglos no es Jazzistico sino rockero, estilo Motown.
Por otro lado, la presencia de diálogos, ruidos de ambiente e introducciones, tratan de redondear el concepto del disco y resultan el único elemento exótico en estos números de Classic Rock.
Este álbum «de trancisión» tuvo cierto éxito comercial y preparó el camino para el regreso del grupo a las suites progresivas. Algunas piezas tienen todavía la inspiración suficiente para ser apreciadas.
Aunque, es justo decir que no se trata del mejor disco de Nektar.
Rating: 7.5
Este enlace, que anteriormente tuvo muy corta vida ¡Está nuevamente activo! Vaya al blog de De Musica Alterque.
En este disco Marillion logra la modernización de su estilo, con mejores dividendos que en los dos anteriores albumes.
A mediados de la década de los noventa, este quinteto inglés se toma el reto de evolucionar, rechazando la comodidad de pasarse la vida tocando lo mismo. Los primeros resultados en los álbumes «Radiation» y «Marillion.com» no sonarían tan convincentes como este estupendo y bien logrado trabajo «Anoraknophobia».
El quinteto inglés toma las influencias del primer Radiohead, Massive Attack, The Verve y grupos similares, combinándolas con su propio estilo de Rock melódico, altamente emocional. Sus arreglos tratan de ser cool, sonar dentro de las tendencias actuales. Pero, las composiciones tienen el toque inconfundible de Marillion así como la distintiva voz de Steve Hogarth que continúa manifestándose al máximo de su potencial.
Con este disco Marillion no regresó al Rock Progresivo, ni dejó totalmente las influencias pop, pero sí logró la evolución mostrando la creatividad necesaria para marcar un avance en su carrera.
Según mi libro, de eso se trata ser Progresivo.
Rating: 9
Piezas esenciales: Quartz, When I met God.
Enlace para descarga
Descomprima el archivo usando la contraseña: King HellikXs
En este trabajo Pink Floyd persiste grabando obras de gran formato, presentando piezas de larga duración, con un toque rockero más marcado, pero sin perder su típico estilo psicodélico, parsimonioso y monumental.
Roger Waters se convierte en el compositor principal y sus líricas agudizan su crítica social, señalando a ciertos seres humanos, cuyo comportamiento mezquino los hace comparables a los animales. Asi, el bajista compone tres piezas principales llamadas «Cerdos» «Oveja» y «Perros» cuyo desarrollo letrístico no es tan burdo como parece.
Otro punto interesante es que en 1977 Pink Floyd evita el error en que otros grupos progresivos cayeron, comprometiendo su música o tratando de modernizarse, renunciando a su propósito original. El gran respaldo popular que siempre ha tenido la maquinaria Floydiana permitió al grupo continuar sin acotar sus alcances artísticos.
Rating: 8.5
Pieza esencial: Dogs
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La joven compositora Sandy Denny murió en 1978. Sin embargo hoy, en la era del Internet, es una de las artistas más buscadas. Son atesorados con entusiasmo sus trabajos con Fairport Convention, Fotheringay, Strawbs, BBC Sessions, así como sus trabajos en solitario.
Algo tendría la música de esta cantante inglesa…
Su tercer álbum en solitario inicia con la sofisticación de su Folk-Rock, agregando suntuosos arreglos de cuerdas y otros instrumentos clásicos. El resultado sigue siendo estupendo ya que la música nunca llega a comprometer su estilo original, sombrío, anticlimático e introspectivo.
La canción «Solo» -Versionada actualmente por Fish el ex-cantante de Marillion– llega a ser una de sus mejores cartas de presentación. Sorpende la presencia de una banda de Jazz con metales para acompañar las únicas dos piezas que no son de la autoría de Sandy: «Whispering Grass» y «Until The Real Thing Comes Along» dos números tradicionales de Jazz, interpretados con el estilo particular de Sandy Denny.
Rating: 9
Piezas Esenciales: Solo, Like And Old Fashioned Waltz, At The End Of The Day.
Este disco puede descargarse gracias a Chico en el blog de Floodlit Footprint
No es el mejor disco de Caravan, pero tampoco es tan malo como se suele decir.
Desde 1973 el liderazgo del grupo queda en las manos del guitarrista Pye Hastings quién poco a poco alejó al grupo del Jazz-Rock de Canterbury, para llevarlo a un terreno menos sectario. Caravan desarrolla paulatinamente influencias más universales, convirtiéndose en un grupo más convencional, conservando su característico humor inglés.
Para 1976 aparece el disco Blind Dog At St. Dunstans (St. Dustans es un pueblo inglés que fue fundado para otorgar asilo a personas invidentes, veteranos de guerra o del servicio público). Este álbum muestra a un Caravan mas acorde a los estilos de Rock populares de mediados de los setentas.
Probablemente sea el disco más «americano» de su discografía ya que presenta piezas infectadas de Hard , pop Soul y hasta Funk. ¡Incluso una banda progresiva de Canterbury puede llegar a asimilar la gran influencia de la música negra! Si en sus primeros discos Caravan era una banda comparable a Traffic, en este álbum rivaliza con Steely Dan.
Por supuesto, esto no significa que el álbum sea un desastre. Contiene algunas piezas notables como la balada «All The Way» o el medio tiempo «Chiefs And Indians» con su funky sección de Metales. Ademas el grupo conserva la siempre exquisita aportación en viola y flauta de Geoff Richardson, que ante la ausencia de los Sinclair, se convierte en el principal solista.
Rating: 7.5
Pieza esencial: All The Way.
La obra más reconocida de Nektar, quinteto Inglés que curiosamente, se formó en Hamburgo, Alemania. Quizás por ello a esta banda se le atribuyen influencias del movimiento Electrónico-Psicodélico aleman, conocido como Kraut-Rock.
Este es otro álbum conceptual de una sola pieza, apenas dividida en dos partes por la necesidad de los antiguos L.P. de vinilo. Narra la historia de «Bluebird» un ser venido de otro planeta para cumplir una misión en la tierra pero que es ignorado, incomprendido y maltratado por los humanos… hasta que logra establecer afinidad con un niño invidente, al que le le manda mensajes por medio de visiones en la mente.
Musicalmente, la banda deja en segundo plano el Kraut-Rock para presentar un Rock Cósmico melódico basado en la guitarra de Roye Albrighton, más cercano a Pink Floyd y Wishbone Ash que a Can o Amon Dull, sin olvidarse por completo de los segmentos alucinantes de música instrumental. El trabajo es brillante, el más inspirado de los álbumes que he escuchado de este quinteto.
Rating: 10
Enlace para descarga:
Esta descarga necesita una contraseña: floodlitfootprint.blogspot.com
Notas adicionales:
Nektar bien podría haber tomado algo de su inspiración en el filme «Barbarella» protagonizado en 1968 por la célebre actriz Jane Fonda; entre otras cosas, porque el personaje antagonista era un ángel tambien invidente llamado «Duran Duran» (De quién tomó su nombre la banda de Rock Pop de los años ochenta).
El filme pareciera ser un tanto frívolo, mostrando a la Fonda en mínimos, futuristas y sexys atuendos durante casi la totalidad del mismo.
La obra musical de Nektar, por su parte, es mucho más seria y propositiva. De cualquier manera, hay coincidencias y esto nos permite recordar a la guapa actriz.
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Este álbum posicionó a Sandy Denny como una artista en solitario, más alla de ser «la cantante» de Fairport Convention, o «la cantante» que participó con Strawbs.
«Sandy» marca una frontera con el Folk Rock de Fairport Convention ya que el material en solitario de la artista, es más confesional y solemne. Sus piezas Folk son menos rítmicas y sin tantos adornos instrumentales. Sin embargo, esto hace que destaque sobremanera la voz de Sandy Denny. De modo que nos enfrentamos con el sentimiento en pleno -desnudo- de la canción.
Las canciones de Sandy Denny no dejan de ser tristes, melancólicas y pausadas pero tienen un encanto enorme, difícil de describir. Solamente escuchándolas atentamente, dejandose pasmar por el sentimiento, podrán apreciarse a fondo.
Rating: 8
Piezas esenciales: Listen Listen, Quiet Joys Of Brotherhood
Enlace para descarga 1
Enlace para descarga 2
(Versión remasterizada con bonus tracks)
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El álbum más psicodélico de The Moody Blues.
«En la búsqueda del acorde perdido» fue grabado en los años del esplendor hippie, con la influencia de la poesía beatnik y con la «moda» de la práctica de la meditación trascendental. Estos elementos lograron que una banda que originalmente se propuso fusionar el Pop con el sinfonismo lograra un disco más ácido y místico.
Piezas breves y brillantes resuenan por todo el disco, como muestra de la ingenuidad del Rockero de los sesentas, que sintió que podía transformar el mundo, logrando únicamente la transformación de su propia música. Abundantes coros, efectos de estudio, cítaras, melotrones, tablas hindúes y hasta mantras de meditación, acompañan al quinteto en su cuidadosa y -en este trabajo- mística propuesta musical, como ellos mismos lo mencionan en la canción «The Best Way To Travel» Pensar es la mejor forma de salir de viaje.
Rating: 9
piezas esenciales: House of Four Doors, Legend Of A mind.
Notas adicionales:
La canción «Legend Of a Mind» esta dedicada al psiquiatra y escritor Timothy Leary, quien llegó a creer que la -entonces- popular droga LSD, podía tener efectos terapeúticos y benéficos para el espíritu. Este personaje es también famoso por haber permitido la filmación de su propia muerte (Leary murió de cancer a avanzada edad). Esto último con fines puramente científicos, ya que el videotape no ha sido exhibido en ningún lado.
Como datos adicionales, Leary también es mencionado en la canción «The Seeker» de The Who, versionada actualmente por Rush.
Finalmente, el escritor emparentó con las actrices Winona Ryder y Uma Thurman aceptando ser su padrino. Al parecer gozaba de gran aprecio por parte de las familias de las jóvenes estrellas de hollywood.
La Taberna De Rael 