Filed under: Rock Progresivo
Lo más reciente en estudio, editado por el quinteto neoprogresivo inglés Arena.
esta banda -una de mis favoritas personales- ha visto muchos cambios de personal desde su formación, diez años antes de editar este trabajo. En los ultimos dos discos, el grupo ha ganado en establecer un sonido más actual y atractivo para los más jóvenes. Sin embargo, ha sacrificado parte de su sentido épico y su gusto por las letras mitológicas e históricas.
Ahora tenemos la inclusión de más detalles del Rock actual, como la distorsión digital de las voces y la inclusion de samples. Sobretodo, la composición de piezas más convencionales -algunas todavía brillantes- pero ya no aquellos épicos de gran duración y incontables cambios de ritmo que presentaron en sus primeros tres discos.
El grupo continúa siendo agresivo y virtuoso (en el filo entre el sonido metálico y el progresivo), los instrumentistas siguen derrochando musicalidad, en especial el guitarrista John Mitchell, por lo que el aficionado progresivo puede encontrar en este disco muchos detalles satisfactorios.
Indudablemente el sonido de una banda tiene que evolucionar con el paso de los años. Aunque, tendría que esperar un próximo disco para saber si Arena va por el camino óptimo. Quizá un «regreso a las raíces» tenga que ser su siguiente paso.
Rating: 8.5
Piezas esenciales: The Shattered Room y Opera Fanatica. (Los dos números en los que en mi humilde opinión, podemos escuchar el espíritu verdadero de Arena).
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Filed under: Rock Progresivo
Este es uno de los álbumes más complejos de los italianos PFM. Un tercer disco controversial, después de dos extraordinarios trabajos.
La llegada del bajista Patrick Djivas -proveniente del grupo Area– es uno de los factores determinantes en la nueva dirección del grupo, además de el arrojo y la experimentación demostrada en detalles novedosos como la inclusión de un coro clásico y un solo de bajo acústico.
Las composiciones y la producción misma, dejan de ser exclusivamente preciocistas para tomar un toque más bizarro, con abundantes segementos de jazz-fusión avanzado.
Este cambio puede ser considerado contraproducente por aquellos que admiran el estilo sinfónico melódico.
Por otro lado, este disco es festejado por aquellos aficionados que gustan escuchar de obras extremosas de gran complejidad.
Rating: 8
Pieza esencial: La Luna Nuova
Notas adicionales:
Ese mismo año, se editó una versión en inglés de esta obra, para la compañia Manticore. El disco original italiano, tenía una portada en predominante color verde. La portada en azul aquí mostrada pertenece a la versión en inglés.
La descarga sin embargo, corresponde a la versión original italiana.
Filed under: Rock Progresivo
Este es el álbum considerado clásico de Camel ya que muestra al grupo original al máximo de sus posibilidades.
Esto significa que el binomio compositor formado por Andy Latimer y Peter Bardens se encontraba en su mejor momento. Mientras tanto, la sección rítmica de Doug Ferguson y Andy Ward se muestra virtuosa y lucidora.
Las composiciones son dinámicas y audaces con buen manejo de la melodía. Prácticamente todas las piezas son memorables, desplegando los aportes de una guitarra agresiva que comparte el espacio con el piano electrico y el órgano. Otro detalle notable de la flauta transversal y el sintetizador Moog.
Rating: 10
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Nota curiosa:
Con justa razón muchos podrían pensar que la portada de «Mirage» debió haber generado un conflicto con la imagen de la compañía cigarrera «Camel». Sin embargo, no fue así. En algunos conciertos de la banda se llegaron a repartir cajetillas de cigarros como cortesía.
Filed under: Biografías y artículos.
Annie Haslam es una extraordinaria cantante poseedora de un rango vocal que abarca cinco octavas. Ella formó parte del artísticamente aclamado grupo de Rock Sinfónico, Renaissance. También ha sido artista plástica.
Nace en Bolton, Inglaterra en el año de 1944. Desde 1970, estudió ópera siendo su maestra, la cantante Sybil Knight. En 1972 es descubierta por músicos de la banda Renaissance y le proponen integrarse, sustituyendo a Jane Relf.
Con Renaissance Annie dió rienda suelta a todo su potencial vocal, grabando álbumes tan recordados como «Scheherazade and other Stories» (1975) basado en la obra literaria «Las mil y una noches». La grandiosidad de este trabajo, hace que musicalmente, el personaje de «Sheherezada» siempre sea asociado con Annie.
En el año de 1977 la cantante realizó su primer álbum como solista «Annie in Wonderland», que presenta una faceta distinta grabando covers de artistas de antaño, piezas de Folk Rock y una adaptación del segundo movimiento de la «Sinfonía del nuevo mundo» de Dvorak. Esta aventura no significaría su salida de Renaissance, con quienes trabajó hasta su disolución a mediados de los años ochenta.
Su segundo lanzamiento fue «Still Life» (1985), en el que Annie se presenta como un híbrido entre el Pop y la Música Clásica, acompañándose con una orquesta sinfónica dirigida por Louis Clark. Posteriormente, la cantante británica cedió en su pretensión de convertirse en una diva de la música adulto contemporanea, para situarse en el New Age.
Un momento muy triste en la vida de Annie Haslam fue cuando se le diagnosticó cancer de seno. Sin embargo, una tenaz lucha contra la enfermedad, le permite sobrevivir para seguir entregada a las artes.
A finales de los noventa la cantante vuelve a ser relacionada con el Rock, grabando algunas piezas al lado del guitarista Steve Howe y participando en discos de tributo a bandas como Yes y Genesis. Incluso Renaissance se reintegró para grabar el disco «Tuscany» (2000).
En la actualidad Annie se encuentra trabajando en la música y en la pintura, pero también en campañas ecológicas que buscan la conservación de especies animales. Sus participaciones más recientes en el mundo de la música se encuentran en los álbumes del proyecto Icon de John Wetton y de la joven banda Magenta.
Biografía redactada por Rhayader para «La Taberna De Rael».
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Este grupo aparece a principios de los setentas en Alemania. Aunque su musica tiene muy pocas semejanzas con la de sus compatriotas del llamado Kraut-Rock.
En lugar de eso, su estilo ha sido fuertemente ligado al de Emerson, Lake And Palmer, señalando al virtuoso de los teclados Jürgen fritz como el «Keith Emeson alemán».
Ciertamente, el Rock Sinfónico de Triumvirat -y el formato de trío- resulta derivado de ELP, pero en él encontraremos mayor melodía e incluso cierta simplicidad, dejando de saturar de sonidos y arreglos a las composiciones.
Spartacus es uno de sus mejores álbumes. Se trata de un disco conceptual acerca del hombre que encabezó la mayor rebelión contra el imperio Romano, en el año 73 A. de C. El tema es perfecto para este tipo de Rock épico y combativo, basado totalmente en teclados. Ocasionalemte el grupo baja la guardia para interpretar una balada, o más bien un himno.
El grupo presenta vocales en Inglés, facilitando su traducción y así poder desentrañar el punto de vista de Jürgen Fritz sobre las glorias y desventuras del heróico guerrero Espartaco.
Recomendable, muy superior a otros discos del mismo grupo, en especial los lamentables dos últimos.
Rating: 8
Pieza esencial: The School Of Instant Pain.
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Quidam es un grupo de Rock Progresivo surgido en Polonia, a mediados de la década pasada. Su tendencia es sinfónico-melódica, recordando a gupos como Camel, Kerrs Pink o Eris Pluvia.
Editaron su disco debut en el año de 1996, logrando gran aceptación en los círculos subterráneos del progresivo y en los sitios pioneros de la -entonces naciente- comunidad progresiva en internet.
El principal atractivo radicaba en la voz de la estupenda cantante Emila Derkowska. Una joven que vendría a desafiar a las grandes cantantes relacionadas al Rock Progresivo como Annie Haslam o Sonja Kristina. El grupo también luce enormidades gracias a la presencia de un gran guitarrista seguidor de los grandes como Hackett, Latimer y Gilmour, además de un flautista protagonista, semejante al gran Attila Kollar de Solaris.
Las composiciones son brillantes, melódicas y agradables, teniendo como principal objetivo, crear orquestaciones progresivas muy atinadas, demostrando una madurez poco común para un grupo debutante.
Un detalle «exótico» es que las vocales estan escritas en idioma polaco.
En algunos pasajes del disco pareciera que el grupo deseaba recrear la gran pieza «The Great Gig In the Sky» de Pink Floyd, gracias a la capacidad de su cantante Emila, que desafortunadamente, no está más con Quidam.
Esta es otra razón por la que disco definitivamente, es de colección.
Rating: 9
Piezas esenciales: Sanktuarium, Ptone.
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Filed under: Taberneras
Nuevamente Hungría se hace presente en la sección «Taberneras».
En esta ocasión, con Sandra Shine, modelo surgida del emporio Penthouse.
En las páginas centrales de la edicion de agosto del 2003 aparece esta beldad, bajo el seudónimo de Judith Devine.
Cuenta con 25 años, sus medidas son 35C-25.-35 y se distingue por ser una de esas modelos pelirrojas con pecas.
Filed under: Rock Progresivo
Como su tíltulo lo dice, este es el sexto disco de los húngaros, After Crying.
Para estas alturas, el grupo gozaba de una reputación envidiable dominando de manera virtuosa la música progresiva de vanguardia. De entre lo más sorprendente, es que este grupo tiene la posibilidad de manifestarse como una banda de Rock Progresivo, así como un ensamble de música de cámara. Esta dualidad, me recuerda el trabajo de el gran Gentle Giant.
Sin embargo, las principales influencias son King Crimson, ELP y Frank Zappa en sus ultimas etapas. Con ello, After Crying logra su sonido original. Tanto el Cello de Péter Petjsik y la trompeta de Balázs Winkler son los recursos extras que proporcionan enormes polsibilidades, muy bien explotadas.
Este álbum es quizá el más «crimson» de su discografia, sin que esto signifique que el grupo se olvide de sus influencias clásicas, el Jazz y de su gran aprecio por ELP -Demostrado en la pieza final, «Tributo A Keith Emerson».
Después de la salida al mercado de «After Crying 6» el grupo se presentó -Dos veces consecutivas- en el festival Baja Prog de México, dejando un extraordinario sabor de boca.
Rating: 9,5
Piezas esenciales: Conclusion (Tribute to Keith Emerson), Viaduct.
Filed under: Rock Progresivo
Este es el primer volumen de la Box-set «Archive» del grupo Genesis, correspondiente a la época en la que Peter Gabriel era el cantante principal. Consta de cuatro discos.
El comentario inicial es que los discos están en orden inverso, empezando por 1975 y terminando con los años sesentas; esto significa que los dos primeros discos están dedicados a la obra «The lamb lies down in Broadway», versión en concierto íntegra e innédita, grabada el 25 de enero de 1975 en Los Angeles, California.
la grabación de «The Lamb…» incluye una introducción del propio Peter Gabriel explicando el concepto. Esto es un buen detalle.
La interpretación es bastante buena, muy apegada a la version original, por lo que muchos podrían extrañar mayor improvisación, o nuevos arreglos. En mi caso, no.
Es bien sabido que a las vocales se les agregó doblajes (O retoques si se prefiere). Esto se debió a que las fantásticas máscaras que usaba Peter en ese periódo, dificultaban el correcto registro de su voz en el micrófono.
Es difícil saber en donde se encuentran tales retoques. El grupo hizo un gran trabajo de «reconstrucción». De hecho, la pieza final «It» no existe, debido a que el día de la grabación se agotó la cinta antes de que el show terminara. De esta manera, el grupo optó por agregar una mezcla de la grabación en estudio original.
El tercer disco podría ser el favorito de muchos. Contiene maravillosas versiones en vivo de temas como «Dancing with the moonlit Knight», «Firth of fifth» y…¡»Supper’s ready»! Estas provienen de un concierto en el Teatro Rainbow en 1973. El resto del disco incluye más material interesante, como la sesión de la BBC de «Stagnation», los sencillos «Happy the man», «Twilight Alehouse» y una version single de «Watcher of the skies».
El cuarto CD contiene una gran colección de demos de su etapa inicial, cuando eran estudiantes del Colegio Charterhouse. Las personas que hayan escuchado el primer disco «From Genesis to Revelation» saben que esta etapa no tiene mucho Rock Progresivo, en lugar de ello tenemos una serie de breves canciones pop muy finas al estilo de los Moody Blues. Muchas estan construídas con base en el piano de Tony Banks y otras en las guitarras acústicas de Mike Rutherford y de Anthony Phillips. No hay arreglos de cuerdas.
Todas estas colecciones contienen un lujoso folleto con fotografías y mucha informacion histórica; «Archive» no es la excepción, por las ochenta páginas del folleto encontraremos numerosas anécdotas y fotos innéditas de esta banda tan importante. Desafortunadamente, esto es algo de lo que no podrán disfrutar aquellos que solo se conforman con descargar la música.
El sonido de casi todos los cortes es muy bueno, mejor de lo que podría esperarse. Sobre todo cuando tomamos en cuenta el año de las grabaciones.
Como siempre, habrá quién no esté de acuerdo en la selección del material y enumere las canciones que NO fueron incluidas como: «Cinema show», «Fountain of Salmacis» y «The musical box» (Aunque la versión en vivo de está última ya existe en el «Genesis live»).
Finalmente, antes de ser lanzada esta Box-Set se había comentado que contendría una nueva versión en estudio de «The Carpet Crawlers» con los cinco miembros clásicos, cosa que finalmente no sucedió.
Rating: 9.5
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Si tuvieramos que señalar a una banda de Rock que pueda calificarse como «original», esa sería Van Der Graaf Generator.
Su extraña propuesta musical no debe encasillarse dentro del Rock Sinfónico de grupos como Yes o Genesis. Tanto las composiciones del grupo, como el estilo vocal de su líder Peter Hammill, son únicos.
El grupo se forma en Manchester, Inglaterra a finales de los años sesenta por el cantante, pianista, guitarrista y compositor Peter Hammill y el baterista Chris Judge Smith (Quién le da nombre al grupo basándose en el generador aerostático del científico Robert Van Der Graaf). Posteriormente se agregarían a la formación el organista Hugh Banton, el bajista Nic Potter.
Smith, pretendía competir por el liderazgo del grupo con Hammill. A pesar de ser un buen músico, el baterista terminaría sucumbiendo, ante el gran talento del cantante, siendo irremediablemente reemplazado por Guy Evans.
La primera grabación «The Aerosol Grey Machine» (1969) fue realizada bajo circunstancias caóticas. Entre otros factores, la obligación contractual, un trato abusivo de la compañía, el robo del equipo de sonorización y la desintegración momentánea. Sin embargo, el grupo sobrevivió creciéndose al castigo.
Con la llegada del enigmático saxofonista y flautista David Jackson Van Der Graaf Generator toma su dimensión definitiva. Su aportación -influenciada por el gran músico de Jazz John Coltrane– se pondría de manifiesto en el disco «The Least We Can Do Is Wave To Each Other» (1970).
Al perder a su bajista, Van Der Graaf Generator adopta el extraño formato de órgano-piano-saxofón-batería. Este factor, junto con el estilo vocal multi-facético de Hammill son los detonadores de un estilo de Rock altamente vanguardista. A continuación, aparecen álbumes complejos, bizarros y expresionistas como «H To He Who Am The Only One» (1971) y el aclamado «Pawn Hearts» (1972). Por si fuera poco, la poesía existencialista de Hammill agregaba brillantez a composiciones tan célebres como la trágica «A Plague Of Lighthouse Keepers».
Inexplicablemente, después de lograr su mejor triunfo artístico, el grupo se desintegra. Sin embargo, Hammill continúa trabajando en solitario sin prescindir de los miembros del grupo. Esta cercanía desemboca en un nuevo periódo de actividad para el cuarteto. El disco de reaparición fue «Godbluff» seguido por el extraordinario «Still Life» (Ambos grabados en 1975). Los músicos crecieron como instrumentistas y lograron un sonido más fino, sin perder el propósito artístico original. Las grabaciones seguían ubicándose en la vanguardia. El álbum «World record» (1976) termina con la era del cuarteto, ya que al final de la gira de promoción, tanto Banton como Jackson se separan de Van Der Graff Generator.
El grupo continúa con un nuevo formato y acortando su nombre a Van Der Graaf. Se quedan Hammill y Guy Evans. Por otro lado, llega el violinista Graham Smith y regresa el bajista Nic Potter. La grabación subsecuente «The Quiet Zone / The Pleasure Dome» resulta airosa manteniendo al grupo a flote. Desafortunadamente el grupo nunca obtuvo la remuneración económica que hubiera merecido y trabajar en la bancarrota parecía ser una constante. Hasta 1978, año en que el grupo no pudo más y se desintegra definitivamente.
A pesar de que durante la prolífica carrera en solitario de Hammill, el cantante continuó trabajando con casi todos los ex-miembros del grupo, se veía muy lejana la posibilidad de una reunificación. Las circustancias cambiaron en el año 2004, cuando el grupo anuncia que la formación clásica de Hammill-Banton-Jackson-Evans entraría al estudio para grabar un album doble, mayormente instrumental llamado «Present».
Aparentemente, esta será la única grabación de estudio en esta última etapa.
Biografía escrita por Rhayader para «La Taberna De Rael».
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Como todos sabemos, «Viaje al centro de la tierra» es una obra literaria del escritór francés Julio Verne. Lo que no todos saben, es que el tecladista de conservatorio Rick Wakeman se basó en ella para crear una obra musical, cuyo fin era ser presentada en un gran teatro por un grupo de Rock, un narrador, un coro clásico y una orquesta sinfónica. Esta actuación se llevó a cabo en el Royal festival Hall de Londres el 18 de enero de 1974 y fue grabada, quedando para la posteridad como el segundo disco en solitario del pianista inglés.
Se trata de una ambiciosa obra músico-narrativa de cuatro piezas que en realidad parecen una sola. Es un trabajo muy diferente al anterior «The Six Wives Of Henry VIII» ya que se magnifica el sinfonismo y la épica, dejando para mejor oportunidad el Jazz instrumental y el Rock Progresivo extremoso. Los planos estelares son ocupados por los sintetizadores de Wakeman y por la Orquesta Sinfónica De Londres.
La influencia mayor -según los entendidos- es el romanticismo del siglo XIX, Robert Schumann por ejemplo. Aunque, no deja de haber poderosos segmentos de Rock encabezados por la voz de Ashley Holt y los sintetizadores de Wakeman.
La unica crítica que se le puede imputar a este disco es que la complejidad de grabar y coordinar a una orquesta completa, una banda, un narrador y por si fuera poco un coro, provocó ciertas imprecisiones de tiempo y ciertas carencias en la grabación. Al escuchar el disco con atención podemos encontrar algúna edición sospechosa.
Sin embargo, la dificultad del evento y el año de la grabación, nos pueden sugerir que Rick Wakeman hizo lo mejor que pudo con la grabación. Sobra decir que su desempeño musical es tan efectivo como siempre.
Rating: 8,5
Piezas esenciales: Toda la obra.
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Para este disco, la agrupación alemana Grobschitt, dirigida por el baterista y letrista Eroc, abandona -momentáneamente- su estilo Kraut-Rock para concentrarse en la producción de un disco conceptual sinfónico.
A pesar de no sonar como un disco «representativo» del sonido de Grobschnitt, podemos considerarlo como uno de sus mejores trabajos.
La historia trata sobre un niño llamado Ernie, quién juye de la escuela en busca de aventuras. Al ser guiado por un ave gigantesca llamada Maraboo, llega a un lugar llamado «Rockpommel’s Land», en donde Ernie vive una serie de aventuras en las que conoce el bien y el mal. Al final, todos los personajes de este mundo fantástico son liberados al mundo exterior por Ernie y el Maraboo.
En lo musical, queda atrás el sonido psicodélico y afilado de otros discos para centrarse en las texturas agradables de teclado y el trabajo guitarrístico refinado y virtuoso. Las piezas son extensas y minuciosamente trabajadas. El guitarrista Lupo recuerda con gran acierto el mejor trabajo realizado por el maestro Steve Howe con Yes.
A lo que Grobschnitt no renuncia, es a su agudo sentido del humor, su tendencia a incluir ruidos incidentales y a la histriónica forma de cantar de Wildschwein que sigue sonando irreverente aún en una esplendorosa obra sinfónica como «Rockpommel’s Land».
Rating: 10
Piezas Esenciales:
Ernie’s Reise: Uno de los mejores momentos sinfónicos del Rock alemán.
Anywhere: Estupenda balada, aún con su silbido premeditadamente desafinado a mitad de la canción.
Comentarios adicionales:
Para escribir «Rockpommel’s Land», el baterista Eroc bien pudo tomar inspiración de las obras del escritor inglés Lewis Carroll.
La portada fue realizada por el gran artista gráfico Roger Dean
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Este es el segundo álbum de Van Der Graaf Generator y el primero en el que participa el saxofonista y flautista David Jackson. Con su llegada, el grupo tomó la dirección vanguardista que le caracterizaría durante su trayectoria.
El quinteto (todavía con el bajo de Nic Potter) va desarrollando su original sonido, prescindiendo cada vez más de la guitarra, pero logrando un sonido siniestro gracias a los fondos muy graves de organo, a la agresiva forma de tocar el saxofón de Jackson y sobretodo, gracias a la vocalización altamente emotiva y a veces amenazante del gran Peter Hammill.
El disco mantiene elementos del sonido psicodélico de los sesentas y un deseo por crear texturas de sonido novedosas como por ejemplo, una trompeta de Jazz contrapunteando un órgano de iglesia.
Los acordes que -en un contexto convencional- debieran ser soportados por una guitarra distorsionada, aquí son ejecutados por el saxofón tenor y el órgano Hammond en sus tonos más graves.
Exceptúando el ultimo corte, los resultados no son tan bizarros como aquellos logrados en albumes posteriores como «Pawn Hearts» o «H To He…» por lo que este trabajo puede recomendarse como una buena introducción al sonido de Van der Graaf Generator en su primera etapa (1969-1972).
Rating: 8
Piezas esenciales:
Refugees (Un corte cercano a una balada, con un excelente tratamiento de flauta con ecos por parte de Jackson y un arreglo de Cello de Hugh Banton).
Whatever Would Robert Have said (Con la guitarra del gran Robert Fripp, presagiando lo que vendría en álbumes posteriores)
En este disco Marillion logra la modernización de su estilo, con mejores dividendos que en los dos anteriores albumes.
A mediados de la década de los noventa, este quinteto inglés se toma el reto de evolucionar, rechazando la comodidad de pasarse la vida tocando lo mismo. Los primeros resultados en los álbumes «Radiation» y «Marillion.com» no sonarían tan convincentes como este estupendo y bien logrado trabajo «Anoraknophobia».
El quinteto inglés toma las influencias del primer Radiohead, Massive Attack, The Verve y grupos similares, combinándolas con su propio estilo de Rock melódico, altamente emocional. Sus arreglos tratan de ser cool, sonar dentro de las tendencias actuales. Pero, las composiciones tienen el toque inconfundible de Marillion así como la distintiva voz de Steve Hogarth que continúa manifestándose al máximo de su potencial.
Con este disco Marillion no regresó al Rock Progresivo, ni dejó totalmente las influencias pop, pero sí logró la evolución mostrando la creatividad necesaria para marcar un avance en su carrera.
Según mi libro, de eso se trata ser Progresivo.
Rating: 9
Piezas esenciales: Quartz, When I met God.
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Filed under: Rock Progresivo
En 1998 el disco «Into The Electric Castle» puso el nombre del jóven músico holandés Arjen Anthony Lucassen, en la mira de los aficionados al Rock Progresivo. El siguiente trabajo de su proyecto Ayreon fue la ópera rock «El Migrante Universal», otro lanzamiento de dimensiones semejantes.
La estrategia comercial de Ayreon es presentar en cada lanzamiento a una impresionante selección de músicos invitados: En este trabajo doble, tenemos una interminable lista con gente de gran renombre en el campo del Progresivo actual como: Erik Norlander (Rocket Scientists) Neal Morse (Spock’s Beard), Lana Lane, Damian Wilson (Ex-Threshold), Clive Nolan (Arena), Keiko Kumagai (Ars Nova) y gente de grupos metaleros como Bruce Dickinson (Iron Maiden) y Gary Wehrkamp.
Cabe mencionar que el verdadero protagonista de la música es Lucassen, puesto que la participación de los músicos invitados es -en su mayoría- breve, limitándose en el caso de los cantantes, a interpretar una sola pieza y en el caso de los instrumentistas, a ejecutar uno o dos solos.
En la primera parte «El secuenciador de sueños», Lucassen desarrolla un estilo de Rock espacial sinfónico, con piezas de medio tiempo esteructuradas a partir de texturas electrónicas de teclado y brillantes solos de guitarra a la David Gilmour.
La segunda parte «El vuelo del migrante» esta dedicada al estilo Metal Progresivo. La música es más rápida y pesada, conservando el sonido «cósmico». Las guitarras están al máximo de su distorsión pero los teclados siguen teniendo un papel importante.
El concepto del disco gira en torno al último sobreviviente de la raza humana:
Después de la catástrofe nuclear del año 2084, los humanos colonizaron marte para poder sobrevivir, pero las reservas de oxígeno están agotadas.
Nuestro héroe se introduce en una máquina virtual llamada el secuenciador de sueños, capaz de recrear en la mente del sujeto la historia de toda la humanidad.
De tal forma que cada pieza trata sobre un episodio de la historia. como la llegada del hombre a la luna en 1969, la defensa de inglaterra por Sir Francis Drake, la creación de los misteriosos monolitos en Wiltshire, un sacrificio maya etc.
En la segunda parte el migrante universal recrea la escena de la creación del universo para al final de la travesía virtual, el último sobreviviente abandona su cuerpo terrestre y llibera su conciencia hacia la eternidad.
Estos dos discos responden a la expectativa creada por el gran prestigio del que goza el proyecto Ayreon. Ante tanta música (135 minutos en total) el aficionado encontrará sus tracks favoritos y tal vez otros «De relleno». Pero la calidad general de las grabaciones es buena. La ambición musical de Arjen Anthony Lucassen parece no tener límites.
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Rating: 9
Piezas esenciales:
And The Druids Turn To Stone (Con la extraordinaria voz de Damian Wilson)
Dawn Of A Million Souls (Con la voz de Sir Russell Allen y Solos de Michael Romeo, ambos de Symphony X)
La Taberna De Rael 