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“Syd” Barrett fue un guitarrista, compositor y cantante inglés. Su verdadero nombre era Roger Keith Barrett y se distingue por haber sido miembro fundador de la agrupación de Rock Pink Floyd. Desafortunadamente, su personalidad inestable y su adicción a las drogas dieron al traste con su prometedora carrera musical.
A mediados de los años sesenta forma Pink Floyd, un grupo inicialmente de blues que se inclinaría por la novedosa música “psicodélica” -un estilo de Rock que tenía como fin la experimentación sónica-. A finales de 1966 el grupo inicia carrera en el estudio de grabación con tres singles escritos por Barrett. En su primer larga duración “The Piper At The Gates Of Dawn” (1967) Barrett dirige al grupo hacia una extraña jornada psicodélica, plena de imaginación.
Su estilo de tocar la guitarra era altamente innovador para la época. A Barrett se le deben esos extraños sonidos de guitarra Slide cargados de eco, que Pink Floyd utilizó durante toda su carrera. El guitarrista los creó utilizando un encendedor de metal, en lugar de un “cuello de botella”. Eran sus mejores días como artista.
Sin embargo, al encontrarse Barrett con la fama y el reconocimiento, su comportamiento se vuelve errático, en parte debido al consumo desmedido de la droga conocida como LSD. Los recitales se veían afectados por las continuas indisposiciones e impredecibles comportamientos. Por ejemplo, una noche en el Fillmore West de San Francisco el guitarrista se rehusó a tocar los acordes de las piezas para simplemente hacer sonar las cuerdas de su guitarra mientras las desafinaba.
Durante esta época el guitarrista sufre un colapso nervioso que cambiaría su vida para siempre. Para apoyar al grupo entró como segundo guitarrista David Gilmour, sin embargo, poco a poco Barrett dejaría de participar con el grupo hasta hacer oficial su salida. En el segundo álbum de Pink Floyd “A Saucerful Of Secrets” (1968) aparece sólo una pieza compuesta por él.
Luchando por su recuperación y con una inconsistente forma de trabajar, Barrett trató de grabar su primer disco en solitario con la ayuda de Gilmour. Las sesiones abortaron hasta finales de 1969 cuando apoyado en músicos de la banda Soft Machine el trabajo se completó. “The Madcap Laughs” apareció a principos de 1970 teniendo un éxito moderado.
Un segundo álbum titulado “Barrett” aparece ese mismo año, con una mejor producción, pero mostrando a un Barrett más afectado. Los músicos que le ayudaron a completar sus piezas expresaron la gran dificultad que era sobrellevar el trabajo. Las partes de Barrett estan llenas de anomalías en el tiempo y en la técnica, pero mantenían aquel halo de misterio que le caracterizó siempre.
Después de un par de intentos fallidos por formar un nuevo grupo y grabar otro álbum, Barrett desaparece de la escena. Fue en 1975 cuando se presentó inesperadamente en los estudios Abbey Road cuando Pink Floyd grababa el álbum “Wish You Were Here”. El guitarrista apareció gordo, con su cabeza y sus cejas afeitadas -hecho que inspiraría el personaje de Pinky en la pelicula “The Wall”-. Sus ex-compañeros observaron con tristeza a su amigo, dedicándole un par de piezas. Era muy probable que Barrett padeciera una enfermedad mental y lo mejor era que se retirara definitivamente del negocio de la música.
En 1988 apareció un nuevo disco con el único material restante de la época 1968-70. Su título fue “Opel” y como de costumbre fue ensamblado con muchas dificultades por los miembros de Pink Floyd -Al igual que la Box-Set “Crazy Diamond” (1993)-. Este lanzamiento tenía la intención de hacerle llegar nuevas regalías económicas.
Muy poco se supo de Syd Barrett hasta el día de su muerte ya que evitaba a toda costa las entrevistas y las apariciones públicas. Vivía en Cambridge con su madre y trabajaba en la jardinería y en la pintura abstracta. Desafortunadamente la diabetes empeoró su estado de salud y murió el 7 de julio del 2006.
Biografía escrita por Rhayader para “La Taberna De Rael”.
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Peter Hammill ha grabado -tan solo en el estudio- 36 discos como solista, además de otros 10 con Van Der Graaf Generator. Prácticamente TODAS las composiciones son suyas. ¿Cómo ha logrado este músico mantener su prolífico nivel como escritor, durante todos estos años?
Hammill contesta:
“Tengo la obsesión de escribir canciones. Cuando lo logro, esas composiciones se convierten en momentos de claridad y me siento más tranquilo. Esto me permite balancear mi vida”.
“Por otro lado, me gustaria que mi música pudiera generar en la gente ese mismo sentimiento de claridad”.
Fuente: Libro “Los trabajos y los dias de Peter Hammill” escrito por Marcelo Gobello, Argentina.
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¿Quién es tu baterista favorito?
Sin duda alguna, Phil Collins.
¿Más que Bill Bruford?
Cada quién tiene su estilo. Bill es fantástico, pero Phil es el mejor. Tuve oportunidad de tocar con él en las sesiones del álbum “Two sides of Peter Banks” y formábamos una mancuerna fenomenal. Nunca me había sentido tan agusto con un baterista.
Muchos aficionados del progresivo no lo aceptan, puesto que lo responsabilizan de haber desvirtuado a Genesis…
La gente habla cosas malas de Phil. Eso no es nuevo. Pero, se les olvidan tres detalles importantes: Phil Collins es un excelente baterista, un buen cantante y un buen compositor. Entonces ¿Qué problema le puedes ver a eso?
Extracto de una entrevista para la publicación “El Cordero sinfonico”. Mayo del año 2000.
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Annie Haslam es una extraordinaria cantante poseedora de un rango vocal que abarca cinco octavas. Ella formó parte del artísticamente aclamado grupo de Rock Sinfónico, Renaissance. También ha sido artista plástica.
Nace en Bolton, Inglaterra en el año de 1944. Desde 1970, estudió ópera siendo su maestra, la cantante Sybil Knight. En 1972 es descubierta por músicos de la banda Renaissance y le proponen integrarse, sustituyendo a Jane Relf.
Con Renaissance Annie dió rienda suelta a todo su potencial vocal, grabando álbumes tan recordados como “Scheherazade and other Stories” (1975) basado en la obra literaria “Las mil y una noches”. La grandiosidad de este trabajo, hace que musicalmente, el personaje de “Sheherezada” siempre sea asociado con Annie.
En el año de 1977 la cantante realizó su primer álbum como solista “Annie in Wonderland”, que presenta una faceta distinta grabando covers de artistas de antaño, piezas de Folk Rock y una adaptación del segundo movimiento de la “Sinfonía del nuevo mundo” de Dvorak. Esta aventura no significaría su salida de Renaissance, con quienes trabajó hasta su disolución a mediados de los años ochenta.
Su segundo lanzamiento fue “Still Life” (1985), en el que Annie se presenta como un híbrido entre el Pop y la Música Clásica, acompañándose con una orquesta sinfónica dirigida por Louis Clark. Posteriormente, la cantante británica cedió en su pretensión de convertirse en una diva de la música adulto contemporanea, para situarse en el New Age.
Un momento muy triste en la vida de Annie Haslam fue cuando se le diagnosticó cancer de seno. Sin embargo, una tenaz lucha contra la enfermedad, le permite sobrevivir para seguir entregada a las artes.
A finales de los noventa la cantante vuelve a ser relacionada con el Rock, grabando algunas piezas al lado del guitarista Steve Howe y participando en discos de tributo a bandas como Yes y Genesis. Incluso Renaissance se reintegró para grabar el disco “Tuscany” (2000).
En la actualidad Annie se encuentra trabajando en la música y en la pintura, pero también en campañas ecológicas que buscan la conservación de especies animales. Sus participaciones más recientes en el mundo de la música se encuentran en los álbumes del proyecto Icon de John Wetton y de la joven banda Magenta.
Biografía redactada por Rhayader para “La Taberna De Rael”.
Si tuvieramos que señalar a una banda de Rock que pueda calificarse como “original”, esa sería Van Der Graaf Generator.
Su extraña propuesta musical no debe encasillarse dentro del Rock Sinfónico de grupos como Yes o Genesis. Tanto las composiciones del grupo, como el estilo vocal de su líder Peter Hammill, son únicos.
El grupo se forma en Manchester, Inglaterra a finales de los años sesenta por el cantante, pianista, guitarrista y compositor Peter Hammill y el baterista Chris Judge Smith (Quién le da nombre al grupo basándose en el generador aerostático del científico Robert Van Der Graaf). Posteriormente se agregarían a la formación el organista Hugh Banton, el bajista Nic Potter.
Smith, pretendía competir por el liderazgo del grupo con Hammill. A pesar de ser un buen músico, el baterista terminaría sucumbiendo, ante el gran talento del cantante, siendo irremediablemente reemplazado por Guy Evans.
La primera grabación “The Aerosol Grey Machine” (1969) fue realizada bajo circunstancias caóticas. Entre otros factores, la obligación contractual, un trato abusivo de la compañía, el robo del equipo de sonorización y la desintegración momentánea. Sin embargo, el grupo sobrevivió creciéndose al castigo.
Con la llegada del enigmático saxofonista y flautista David Jackson Van Der Graaf Generator toma su dimensión definitiva. Su aportación -influenciada por el gran músico de Jazz John Coltrane- se pondría de manifiesto en el disco “The Least We Can Do Is Wave To Each Other” (1970).
Al perder a su bajista, Van Der Graaf Generator adopta el extraño formato de órgano-piano-saxofón-batería. Este factor, junto con el estilo vocal multi-facético de Hammill son los detonadores de un estilo de Rock altamente vanguardista. A continuación, aparecen álbumes complejos, bizarros y expresionistas como “H To He Who Am The Only One” (1971) y el aclamado “Pawn Hearts” (1972). Por si fuera poco, la poesía existencialista de Hammill agregaba brillantez a composiciones tan célebres como la trágica “A Plague Of Lighthouse Keepers”.
Inexplicablemente, después de lograr su mejor triunfo artístico, el grupo se desintegra. Sin embargo, Hammill continúa trabajando en solitario sin prescindir de los miembros del grupo. Esta cercanía desemboca en un nuevo periódo de actividad para el cuarteto. El disco de reaparición fue “Godbluff” seguido por el extraordinario “Still Life” (Ambos grabados en 1975). Los músicos crecieron como instrumentistas y lograron un sonido más fino, sin perder el propósito artístico original. Las grabaciones seguían ubicándose en la vanguardia. El álbum “World record” (1976) termina con la era del cuarteto, ya que al final de la gira de promoción, tanto Banton como Jackson se separan de Van Der Graff Generator.
El grupo continúa con un nuevo formato y acortando su nombre a Van Der Graaf. Se quedan Hammill y Guy Evans. Por otro lado, llega el violinista Graham Smith y regresa el bajista Nic Potter. La grabación subsecuente “The Quiet Zone / The Pleasure Dome” resulta airosa manteniendo al grupo a flote. Desafortunadamente el grupo nunca obtuvo la remuneración económica que hubiera merecido y trabajar en la bancarrota parecía ser una constante. Hasta 1978, año en que el grupo no pudo más y se desintegra definitivamente.
A pesar de que durante la prolífica carrera en solitario de Hammill, el cantante continuó trabajando con casi todos los ex-miembros del grupo, se veía muy lejana la posibilidad de una reunificación. Las circustancias cambiaron en el año 2004, cuando el grupo anuncia que la formación clásica de Hammill-Banton-Jackson-Evans entraría al estudio para grabar un album doble, mayormente instrumental llamado “Present”.
Aparentemente, esta será la única grabación de estudio en esta última etapa.
Biografía escrita por Rhayader para “La Taberna De Rael”.
Porcupine Tree es un cuarteto que emerge del pequeño pueblo en Hertfordshire, Inglaterra, para mostrar al mundo su eficiente fórmula de Rock Progresivo Moderno.
Todo empezó como un proyecto personal del joven guitarrista y cantante Steven Wilson, quién experimentaba en su propio estudio de grabación, con influencias del Rock Psicodélico de los años sesenta y setenta.
Su primeras grabaciones On The sunday Of Life (1992) y Up The Downstair (1993) para la compañía Delerium Records, contienen las primeras composiciones de Wilson, que recuerdan al Rock Cósmico de viejas glorias como Pink Floyd y Eloy pero, tambien se asemejan al Rock Ambiental de bandas contemporáneas como The Orb y Ozric Tentacles. El guitarista ejecutaba todos los instrumentos y hacía las programaciones de batería.
Al editar su aclamado tercer álbum The Sky Moves Sideways (1995) Wilson hace de Porcupine Tree una verdadera banda, invitando a los siguientes músicos: El tecladista Richard barbieri (Quién tocara en la banda Japan, al lado del legendario David Sylvian), el bajista Colin Edwin y finalmente un baterista en la persona de Chris Maitland. El nuevo grupo recibe la aclamación de los críticos de todo el mundo quienes califican a la banda como “El Pink Floyd del nuevo siglo”.
El grupo se consolidó con albumes como “Signify” (1996) y el estupendo en directo “Coma Divine” (1997) grabado en Roma Italia. El respeto por el grupo llega a tal grado que Steven Wilson es requerido por Fish (Ex-cantante de Marillion) para producir sus discos en solitario. Wilson sería responsable de que el -venido a menos- cantante Escocés pudiera retomar el vuelo.
En sus siguientes grabaciones para la compañia Snapper Music, Porcupine Tree acorta sus piezas y las acerca a las tendencias modernas como el Ambient, el Trip e incluso el Metal. Con discos como Lightbulb Sun (2000) muchos aficionados del Rock Alternativo descubren a la banda. Como resultado de esta nueva popularidad, el cuarteto firma con una compañía transnacional, siendo uno de los pocos grupos progresivos en la actualidad -quizás el único- que goza de esa ventaja.
En el año 2003 Maitland deja al grupo para integrarse a Kino. El nuevo miembro sería el no menos capaz baterista Gavin Harrison, quién hace su debut con la banda en el popular disco In Absentia. Además el nuevo músico apoyaría a Wilson en su calidad de compositor.
Si bien, la música de Porcupine Tree siempre se ha basado en conceptos sombríos y amenazantes, en últimos tiempos se ha vuelto más cinemática. El disco Deadwing (2005) toma inspiración de un guión de cine y resulta ser el disco más pesado de su discografía. Estos conceptos visuales se manifiestan plenamente en el DVD en concierto del grupo y se espera que se sigan utilizando dentro del esperado lanzamiento de Fear Of A Blank Planet para este 2007.
Biografía redactada por Rhayader para la Taberna De Rael.
Camel fue una destacada agrupación de Rock Sinfónico que forma parte de la gran camada de bandas inglesas exponentes del género en los años setentas. Su formación original consistió en Andy Latimer: Guitarra-voz, Peter Bardens: Teclados-voz, Doug Ferguson: Bajo-voz y Andy Ward. Batería. La música que el grupo desplegaba era un Rock Progresivo sin extravagancias o experimentos sónicos. En cambio, Camel privilegió la incorporación de música clásica en composiciones sinfónicas, con arreglos brillantes y melódicos.
Su etapa de esplendor llega con albumes estupendos como Mirage (1974) Moonmadnes (1976) y The Snow Goose (1975) este último, un álbum totalmente instrumental basado en la obra literaria del mismo nombre. Las composiciones de la mancuerna Latimer-Bardens logran una majestuosidad enorme, que les vale ser señalados como uno de los mejores grupos progresivos del momento.
El ascenso del grupo se frena debido a los cambios en su formación. En 1977 entra el gran bajista de jazz Richard Sinclair (Ex-Caravan y Hatfield And The North), mientras que un año después la -anteriormente saludable- disputa por el liderazgo del grupo termina provocando la salida de Peter Bardens. Todavía con el tecladista, la banda edita álbumes muy meritorios como Raindances (1977) y el directo A Live Record (1978).
Durante el periódo de trancisión a la nueva decada, Camel se convierte en un tándem musical con diferentes instrumentistas bajo el mando de Andy Latimer. Llegan el bajista Colin Bass (Steve Hillage Band) y el tecladista Jan Schellhaas (Happy The Man). Por su parte, Ward abandona por problemas de salud. La música del grupo va asimilando un sonido más accesible, comparable a grupos como Alan Parsons Project o el más reciente Pink Floyd. Los trabajos más destacados de esta etapa son los álbumes conceptuales Nude (1981) y Stationary Traveller (1984).
Después de la gira de 1985 Camel entra en receso, debido a una disputa legal. Al ser Latimer el único miembro original que aún permanecía en el grupo, presenta por él mismo, una demanda en contra su antiguo manager. El proceso resulta largo y desgastante llevando a la quiebra a al guitarrista. Parecía que el grupo estaba terminado.
Al llegar la década de los noventas, Latimer se instala en california USA y haciendo un gran esfuerzo reagrupa a Camel, junto a Colin Bass y otros músicos. El sonido del grupo se vuelve más orquestado y ostentoso. Sus composiciones progresivas vuelven a ser majestuosas destacando discos aclamados por la crítica como Dust And Dreams (1991) Harbour Of Tears (1996) y Rajaz (1999).
Desafortunadamente, el grupo nunca recaudó los beneficios económicos que merecía y afrontó serios problemas para completar sus últimas giras mundiales -incluyendo accidentes y enfermedades sufridas por algunos de sus miembros- de modo que Latimer decide que la gira del año 2002 sería la última realizada por el grupo. No se descarta que aparezcan más grabaciones en el estudio.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
The Moody Blues fue un quinteto inglés que incursionó en el Rock suave con arreglos orquestales, siendo la primera agrupación de Rock en grabar un álbum completo al lado de una orquesta sinfónica.
Ese disco fue Days Of Future Passed grabado en 1967 el cual combinaba piezas de Rock y baladas con interludios orquestales, logrando el reconocimiento de la crítica y los aficionados. Anteriormente, el grupo había destacado dentro del estilo “beat” impuesto por los fab four de Liverpool. No obstante, es en 1967 cuando inicia la etapa trascendente para el grupo.
La formación consistía en el guitarrista Justin Hayward, el bajista John Lodge, el flautista Ray Thomas, el pianista Mike Pinder y el Baterista Graeme Edge. Entre los cinco músicos hacían las voces y eran capaces de ejecutar una gran variedad de instrumentos adicionales.
Después del triunfo de Days Of Future Passed, el grupo continúo experimentando con el Rock Psicodélico y las baladas orquestadas, viviendo una etapa dorada con siete álbumes clásicos, entre los que destacan In Search Of The Lost Chord (1968) y Seventh Sojourn (1972). El quinteto logró una gran popularidad pero las presiones del trabajo continuo, dedicado a promocionar siete discos en siete años, los lleva a desintegrarse en el año de 1973.
El grupo vuelve a funcionar en 1978 con el disco “Octave” que presenta una nueva dirección acercando al grupo al Rock-Pop, esto le cuesta al grupo la ruptura con Mike Pinder quién fuera sustituído por el suizo Patrick Moraz (ex Yes y Refugee ).
Con este nuevo tecladista, el quinteto logra nuevamente el éxito presentando un par de álbumes con un sonido más moderno. Estos discos fueron Long Distance Voyager (1981) y The Present (1984).
Después de esto, el grupo se fue internando más y más en los sonidos Pop de la época, por lo que los lanzamientos consecuentes no se cuentan entre sus obras más interesantes. Fue hasta 1999 cuando The Moody Blues retoma el sonido orquestal y artístico de su primera etapa, presentando un trabajo excelente llamado Strange Times.
Actualmente el grupo continúa activo ofreciendo conciertos, con la promesa de grabar un álbum más en estudio.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael.
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Cantante, guitarrista y compositora estadounidense. Desde muy jóven participó en la escena del Rock de la ciudad de Boston, formando la banda Throwing Muses. Posteriormente participó en otras bandas de corte alternativo como The breeders Y Belly. Actualmente promueve su carrera musical en solitario.
Teniendo apenas quince años forma la banda Throwing Muses junto con su hermanastra Kristin Hersh. Donelly hacía primera guitarra y coros a las canciones compuestas por Hersh. Aunque, eventualmente fue incluyendo sus propias composiciones al grupo.
A los 19 años graba con Throwing Muses su primer disco para la prestigiosa compañía 4AD Records. La música del grupo era un Garage Rock que combinaba una joven ingenuidad con la angustia y la introspección de mayores alcances artísticos. Una verdadera rareza escuchar a unos adolescentes que teniendo aún problemas para ejecutar sus instrumentos, podían lograr un nivel de expresión musical tan ambicioso.
A los 24 años Donelly trabajó en un proyecto paralelo llamado The Breeders, al lado de Kim Deal (bajista de The Pixies). Esto le dio la oportunidad de sacudirse el liderzgo de su hermanastra. Es justo señalar que, bandas como las antes mencionadas pusieron las bases para lo que fue el boom del llamado Rock Alternativo a mediados de los años noventas.
Finalmente a los 26 años Donelly está lo suficientemente madura para abandonar a Throwing Muses y formar su propia banda: Belly. Con este grupo cosecha el éxito comercial gracias a discos como “Star” (1992) y “King” (1994) que lograron gran aceptación en las estaciones de radio universitarias. Su Garage-Rock ahora es mas accesible y mejor ejecutado. “Power Pop” lo llamarían algunos.
Justo al cruzar su tercera década de existencia, Donelly disuelve Belly y empieza a trabajar como solista, editando varios EPs y CDs para 4AD Records. Conservando el estilo rockero de Belly y con un poco de mayor sensibilidad compositiva, destacan los álbumes “Love Songs for Underdogs” (1997) y “Beautysleep” (2001).
Recientemente, Tanya Donelly ha dado un giro importante a su estilo musical, optando por el material acústico y adoptando la canción folk y las baladas con piano. Sus más recientes discos como “Whiskey Tango Ghosts” (2002) contienen material más relajado y solemne, sin olvidarse por completo el Rock y de su anterior material.
Supergrupo inglés de Rock Progresivo Sinfónico, formado a finales de 1970. Sus miembros eran Keith Emerson (Ex-tecladista de The Nice) Greg Lake (Ex-bajista de King Crimson) y Carl Palmer (Ex-baterista de Atomic Rooster).
Su música era atrevida y pretenciosa ya que fusionaban la Música Clásica, el Rock y el Jazz de una manera irreverente y espectacular. Su sonido era muy novedoso puesto que la base armónica era constituida por los instrumentos de teclado y no por las guitarras. Sus composiciones podrían ser pasadas por un análisis musical serio. Su organista y pianista Keith Emerson es -sin lugar a dudas- un virtuoso que sorpendió al mundo del Rock de igual manera que lo hizo Jimi Hendrix. Por su parte Lake y Palmer eran dos jóvenes instrumentistas bastante competentes que podían soportar sin problemas el trepidante arrojo de su tecladista.
Sus primeros cinco discos son considerados los mejores de su discografía, destacando dos obras maestras Tarkus (1971) y Brain salad Surgery (1973). Durante esta etapa el trío produjo un Rock altamente dinámico y poderoso haciendo incluso modernas rendiciones a obras clásicas como “Pictures at an exhibition” del músico ruso Modest Mussorgski.
Después de un año sabático (1975) el grupo inicia un nueva etapa en la que cada miembro presentaría trabajos en solitario. Contrario al plan inicial, estas nuevas piezas aparecieron bajo el nombre de Emerson Lake and Palmer y se editan en los tres volúmenes de la colección Works (1977). De estos álbumes procede el arreglo de Rock Sinfónico a la pieza de Aaron Copland “Fanfarre for the Common Man”.
A pesar de su gran capacidad musical, el trío fue propenso a caer en los excesos del estrellismo, creando un enorme aparato alrededor de sus conciertos. Por ejemplo: Emerson y su piano eran sujetados por grúas, dando vueltas de 180 grados en el aire, mientras ejecutaba un solo (!) Posteriormente acuchillaba su órgano hammond mientras lo tocaba Al revés (!). Esto tipo de desplantes fueron señalado por los nuevos rockeros como banalidades de unos rockeros millonarios y “vendidos”.
Sin embargo, el grupo no logró enriquecerse tanto como sus críticos lo hubieran creído. La gira de 1978 en la que planeaban llevar consigo a toda una orquesta sinfónica, tuvo que culminar a la mitad del camino por problemas financieros. Finalmente, la crisis llegó cuando el disco Love Beach (1979) reporta muy baja aceptación, provocando el rompimiento del trío.
En la decada de los ochentas hubo dos intentos por revivir a la trilogía sin que pudiera concretarse la reunión los tres miembros originales. En la primera “reunión” participó el excelente baterista de Heavy Metal Cozy Powell, en la segunda, el bajista-guitarrista Robert Berry. La tan ansiada reunificación llegaría hasta 1991 con el bien recibido disco Black Moon.
Desafortunadamente, en el año de 1998, nuevos desacuerdos llevaron a la disolución, al parecer definitiva de Emerson Lake and Palmer, quedando para la historia como el trío de Rock Sinfónico más espectacular del mundo. Igualmente, se señala su trabajo en los primeros años setentas, como un referente de gran importancia para la música contemporánea.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
Roxy Music fue el grupo que formó Bryan Ferry en 1971, después de audicionar como aspirante a vocalista de King Crimson. Su voz no fue la elegida, pero el guitarrista Robert Fripp quedó tan gratamente impresionado que influyó favorablemente en la firma del grupo con la compañía E.G. Records.
la propuesta inicial del quinteto muestra la energía y la extravagancia del movimiento Glam-Rock inglés de principios de los setenta, pero también la sofisticación del Arte-Rock, algo que se acentúaba con la inclusión de instrumentos de viento y cuerdas. Algunas de sus piezas tenían cierto toque decadente que procedía de la música alemana de cabaret.
Rxy Music tuvo en sus filas a gente tan importante como un jovencito Brian Eno en los sintetizadores, Phil Manzanera en la guitarra, Andy Mackay en saxofón y oboe, Eddie Jobson en el piano/violín, Paul Thompson en la batería y -por un periódo muy breve- John Wetton en el bajo. El compositor de casi todas sus piezas es Bryan Ferry.
Sus primeros discos fueron favorablemente recibidos por la crítica y resultan ser sus obras más ambiciosas y extravagantes. Eno participa en los dos Primeros: Roxy Music y For Your Pleasure (1972), Jobson lo substituye para los siguientes trabajos en el que destaca el consistente Country Life (1974).
En 1976 el grupo pasa a la inactividad reapareciendo tres años después con una nueva formación, conservando a Ferry-Manzanera-MacKay como el núcleo sobreviviente del quinteto original. Partcipan nuevos músicos como el baterista Andy Newmark y el tecladista y cantante -entonces desconocido- Paul Carrack.
El nuevo estilo del grupo es pomposamente sofisticado y cuidadosamente arreglado, lo que les permite renovar el culto por la banda y gozar del éxito proporcionado por álbumes como Flesh + Blood (1980) y el extraordinario Avalon (1982). Después de grabar esta última obra, (Una amalgama de Pop sofisticado, Jazz suave, World Music y Soul) el grupo se desintegra, como aquel atleta que se aleja su profesión en el pináculo de su carrera.
Esa promesa se rompió en 2001 cuando Ferry-Manzanera-MacKay-Thompson más respetados músicos de estudio, se reúnen para hacer giras y participar en festivales de caridad como Live 8. El puesto que alguna vez perteneciera a Brian Eno y Eddie Jobson ahora es ocupado por la excelente violinista-tecladista Lucy Wilkins.
A pesar del éxito de las giras y álbumes en vivo subsecuentes, todo indicaba que se trataría simplemente de una reformación por pura nostalgia. Sin embargo, en últimos meses se ha confirmado la noticia de que Roxy Music estaría grabando un nuevo disco con la participación incluso del legendario Brian Eno. Este prometedor disco estaría terminado en el año 2007.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
Grupo Inglés de Rock Progresivo dirigido por el guitarrista Robert Fripp. A diferencia de grupos como Yes o Genesis, Crimson marcó una ruta más obscura y pesada, partiendo del Jazz avanzado de John Coltrane o Miles Davis, y de la música pre-contemporánea de Bela Bartok o Igor Stravinsky. El resultado siempre ha sido un Rock complejo e intenso, que les ha valido colocarse a la cabeza del ala más “pesada” del Rock Progresivo.
El grupo ha trabajado en ciclos más o menos breves, dejando una gran cantidad de grabaciones:
1969-1972. En su primera Etapa eran un quinteto de Jazz y Rock Psicodélico con un estilo inquietante. Además de la guitarra y el melotron, el grupo incluye saxofón e instrumentos de viento. La formación del grupo no fue estable, viendo pasar por sus filas a gente como Greg Lake, Ian McDonald, Boz Burrell, Mel Collins y muchos otros. Los álbumes clave son In The Court Of The Crimson King de 1969 y Lizard de 1971.
1972-1975: Crimson se convierte en un cuarteto con una formación estable, con Fripp, el bajista y cantante John Wetton, el baterista Bill Bruford, y el violinista y tecladista David Cross. El violín toma el lugar que tenía el saxofón, continúa el melotrón y las improvisaciones de Jazz. El sonido del grupo se vuelve más siniestro. Los álbumes más representativos son Larks Tongues In Aspic de 1973 y Red de 1974.
1981-1984: Después de seis años de desintegración el grupo vuelve a la carga conservando el nucleo de Fripp-Bruford y agregando la guitarra experimental de Adrian Belew y el bajo y Stick de Tony Levin. El estilo del grupo es totalmente nuevo, olvidándose del Jazz y los instrumentos clásicos. Ahora con dos extraordinarios guitarristas y un virtuoso del bajo, el grupo se convierte en un festín de técnicas musicales avanzadas, con arreglos más modernos. Bill Bruford experimenta con las nuevas baterías electrónicas creando ritmos más sintéticos (o industrializados si lo prefiere). Esta es la etapa más accesible y el álbum más importante es Discipline de 1981.
1994-1999: Un nuevo ciclo inicia en 1995 con una innovador formato de sexteto o trío doble: Por un lado Fripp, Bruford y Levin por el otro Belew, el stick de Trey Gunn y los tambores de Pat Mastelotto. La música es el resultado de una fusión de los dos periódos anteriores. La posibilidad de tener dos baterista en escena permite la creación de ritmos intrincados, mientras que la presencia de stick y bajo permiten mayor diversificación de sonidos. El grupo graba muchos de sus momentos más intensos en el disco Thrack de 1995.
2000-2006: Levin y Bruford abandonan a Crimson quedando como cuarteto, Continúa la línea marcada anteriormente. Surgen proyectos paralelos llamados ProjecKts para dar espacio nuevamente a los experimentos y las improvisaciones. El mejor trabajo de esta última etapa puede ser The Power To Believe del año 2003.
En ese mismo año Trey Gunn se va para trabajar en solitario. por lo que se reinstala a Tony Levin. El grupo estaría grabando un nuevo trabajo en estudio para el 2007.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
Genesis, grupo musical de Surrey Inglaterra, fueron únicos en su género. En un principio formaron un quinteto de Rock Progresivo Sinfónico que perfeccionó la concepción de “Rock Teatral” (cuyos primeros esbozos habían sido expuestos por el excéntrico Arthur Brown). Posteriormente suavizaron su música para convertirse en uno de los grupos Pop más populares del mundo.
Sus músicos no provienen de los barrios de la clase trabajadora, sino de un prestigioso colegio particular. En los últimos años sesenta, se conocieron el cantante Peter Gabriel, el guitarrista-bajista Michael Rutherford y el pianista Tony Banks formando el núcleo de Genesis, una banda que pretendía crear un nuevo estilo de Folk-Rock con alcances sinfónicos, basados en arpegios de guitarra de 12 cuerdas y fraseos virtuosos de piano y órgano.
En 1971 se integran el excelente guitarrista Steve Hackett y el joven baterista Phil Collins. Con ellos inicia la etapa más celebrada del quinteto, desplegando firmemente lo que los críticos llamaron “Rock progresivo”. Particularmente, Peter Gabriel se convirtió en un carismático cantante gracias a que representaba varios personajes en escena, apoyándose en el uso de disfraces y maquillaje. Estos recursos eran usados de manera muy diferente lo que hacían bandas como Kiss y Alice Cooper (Quienes convirtieron el show de Rock en un circo sensacionalista). A diferencia de ellos, Gabriel le daba una dimensión estrictamente teatral al espectáculo de Genesis.
Los grabaciones de esta etapa son especialmente recordadas por los aficionados, debido a su gradilocuencia y su ambiciosos arreglos musicales. Aunque no lograron el éxito comercial de otras bandas, discos como “Foxtrot” (1972) Y “Selling England By The Pound” (1973) siguen siendo señaladas como sus mejores obras.
En 1975 después de haber promocionado la que se considera su obra maestra (El álbum doble “The Lamb Lies Down In Broadway”), Peter Gabriel abandona al grupo para trabajar como artista en solitario. La crítica consideraba erróneamente que sin Gabriel el grupo se acabaría, pero el cuarteto restante logra continuar con el legado, habilitando a Phil Collins como cantante.
La etapa progresiva del cuarteto termina en 1978 con la marcha del guitarrista Steve Hackett;
Si con la ausencia de Gabriel se acabó el Rock Teatral, con la de Hackett se acabó el sinfonismo progresivo, para gradualmente dar paso a nueva era. En ambos casos, los miembros restantes se negaron a reemplazar a sus miembros perdidos, continúando como trío.
En 1981 era claro que Genesis se había convertido en un grupo de Rock-FM y la estrategia resultó bien ya que empezaron a escalar posiciones en los listas de éxitos, llenaron estadios y acumularon discos de multi-platino como “Genesis” (1983) y el descaradamente pop “Invisible touch” (1986). Collins tomó el control del grupo aprovechando para promocionar de forma paralela su carrera como baladista.
Sin embargo la cuerda se rompío a mediados de los años noventa cuando Tony Banks y Mike Rutherford deciden grabar al margen de Collins, llamando al cantante Ray Wilson junto con dos bateristas de estudio. El disco “Calling All Stations” (1997) no funcionó comercialmente y el grupo se desintegra.
Durante los siguientes años no dejaron de escucharse rumores sobre una posible reunión, cosa que finalmente se confirmó en el año 2006. En un principio, se incluía en la formación a Gabriel y Hackett pero esto ha sido desmentido por lo que el grupo volverá a ser como en sus épocas comerciales: Collins, Banks y Rutherford. Según los últimos reportes, el próximo álbum aparecerá en el año del 2007.
Biografía escrita por Rhayader para “La Taberna De Rael”.
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Jane Siberry es una cantante y compositora canadiense que se ha desenvuelto principalmente en el movimiento Avant-Garde. Con una personalidad excéntrica y una voz flexible y expresiva, Jane Siberry ha sabido crear obras musicales de gran contenido artístico llegando a ser comparada con Joni Mitchell o Kate Bush. La dificultad para encontrar sus discos y la poca información disponible en torno a su obra demuestran que -hasta el momento- no ha recibido el reconocimiento que merece.
En un principio su nombre fue relacionado al mivimiento New Wave, junto al de mujeres como Lene Lovitch o Nina Hagen, aunque el material de Siberry era más suave y artístico, cargado de sensibilidad y emotividad. Sus segundo y tercer discos No Borders Here (1984) y The Speckless Sky (1985) le proporcionan sus primeros singles de éxito.
El cuarto álbum The Walking (1987) marca el primero de los puntos altos de su carrera artística. En esta obra Siberry se adentra en la música progresiva y en los performances narrativos de manera similar a gente como Laurie Anderson. Con este cambio, se detiene el ascenso comercial logrado hasta entonces pero gana un gran respeto entre los críticos, cosa que se consolida en 1989 con el disco Bound By The Beauty.
El álbum que muchos señalan como su obra máxima es When I Was A Boy de 1993. Sus aspiraciones artísticas llegan al máximo y su voz llega al tope de sus posibilidades, consolidando el recurso tan característico en sus grabaciones del multi-doblaje de su propia voz. En este disco participaron músicos de la talla de Brian Eno y Ken Mhyr. Después viene un disco de experimentación con el Jazz, Maria de 1995, que resultó otro triunfo artístico. la obra contiene una aclamada pieza central de más de veinte minutos de duración Oh my my.
Mientras el legado artístico de Siberry crecía, sus posibilidades comerciales eran cada vez menores, por esto se convierte en una artista independiente manejando su propia compañía disquera Sheeba Records. En esta coyontura promueve lanzamientos como el Hush (2000) con arreglos de música tradicional y la llamada Trilogía de nueva York, que es una saga de álbumes en vivo grabados en el Bottom Line Jazz Club de esa ciudad.
Dentro de la impredecible personalidad de esta gran artista, recientemente sus seguidores han sido enterados del deseo de la cantante de cambiarse de nombre y re-plantear su concepción del arte y la música, retirandose del negocio del disco pero no de su carrera musical. Bajo del nombre de Issa, seguirá ofreciendo conciertos y grabando música para ser distribuida exclusivamente desde su website.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
Sin lugar a dudas, Rush ha sido uno de los grupos de Rock más talentosos que hayan pisado la faz de la tierra. Trío originario de Ontario Canadá, Rush ha sabido combinar la energía y la fuerza del Rock Pesado con el virtuosismo y la inteligencia del Rock Progresivo. Sus mayores virtudes siempre han sido la evolución constante, evitando conformarse con los triunfos anteriores además de la fidelidad con la que interpretan en concierto su material tan cuidadosamente arreglado en el estudio,
La primera formación contaba con el bajista Geddy Lee, el guitarista Alex Lifeson y el baterista John Rutsey rapidamente reemplazado por el virtuoso Neil Peart, señalado por muchos, el mejor baterista de rock de todos los tiempos. De su primer periódo destaca el disco Fly By Night que mostraba un Rock Pesado altamente creativo, mucho más elaborado que el de las otras bandas Heavy de la época.
El celebrado álbum 2112 (1976) marca la creación del estilo “Prog-Metal” y además el trío se envuelve en temas de ciencia-ficción grabando álbumes conceptuales de los que destaca Hemispheres (1978). El final de este etapa prolífica lo marca el brillante Moving Pictures (1981), que presenta varios de sus temas más conocidos como YYZ y Tom Sawyer.
Durante los años ochenta Rush evoluciona a una fusión de Rock con sintetizadores, sin olvidar sus acostumbrados despliegues de virtuosismo. Geddy Lee se encargaría de interpretar los instrumentos de teclado, apoyándose en los pedales de bajo. El grupo parecía infalible ya que continuaban sin editar un disco que fuera mal recibido por la crítica. En esta década destacan “Grace Under Presssure” (1984) y “Hold Your Fire” (1987).
En la década de los noventas, el grupo regresa al sonido áspero y duro de su primera etapa, siendo este periódo el menos prolífico en su historia. Counterparts de 1994 fue el disco que obtuvo mayor repercusión antes de que sobreviniera la tragedia: En 1997 el baterista Neil Peart pierde a su hija en un accidente automovilístico y muy poco después a su esposa por la enfermedad del cáncer. Rush entra en un receso obligado.
Después de un par de años de recuperación y meditación Peart se reporta listo para regresar a la música sin haber pérdido un ápice de sus extraordinarias habilidades. Desde entonces el grupo se encuentra viviendo un resurgimiento gracias al disco Vapor Trails (2001).
Biografía escrita por Rhayader para La taberna De Rael.
