Archivado en: Rock Progresivo
Otra obra importante en la discografía de la banda Inglesa Nektar.
En este -su segundo disco- el grupo mantiene la influencia psicodélica de su primer disco, asemejándose al Pink Floyd de álbumes como “More” y a grupos alemanes del Krautrock como el primer Wallenstein, o Novalis.
El sonido de la grabación es áspero y “rudo” muy lejos de la producción sofisticada de “The Dark side of the Moon”, sin embargo los tratamientos de las composiciones no están tan alejadas de lo realizado por las glorias del Rock Cósmico.
Tales piezas no son tan complejas como podía pensarse; aquí no se trata de demostrar virtuosismo, sino de crear pasajes extensos, sencillos pero alucinantes de Rock “espacial”. de modo que en “A Tab In The Ocean” no encontraremos el refinamiento de “Remember the future” pero en cambio, tenemos un trabajo mucho más Kraut. Es decir, psicodélico.
Si usted decide comprar este álbum, asegúrese de encontrar una versión remasterizada ya que la producción de la versión convencional es deficiente.
Rating: 8
Piezas esenciales: King of Twilight. Desolation Valley.
Archivado en: Rock Progresivo
Minimum Vital es un grupo francés formado a finales de los años ochenta por los hermanos Jean-Luc y Thierry Payssan.
Su propuesta es bastante original ya que combinan el folklor europeo y la música medieval, con el mejor Rock Progresivo de bandas como Yes. Las letras del grupo provienen del latin o -posiblemente- de dialectos ancestrales de europa central y mediterránea. Con estos elementos, la banda logra un maravilloso encuentro con la música de tiempos lejanos, apoyándose en la tecnología de los instrumentos musicales de hoy en día.
Su primer disco oficial fue “Sarabandes” y en él, Minimum Vital se concentra en presentar su original estilo mayormente instrumental. Las composiciones pueden variar desde el Rock Progresivo melódico, la pieza electrónica llena de tensión, hasta la cantata medieval de carácter sacro.
Los sonidos cuidadosamente seleccionados en el sintetizador, evocan los instrumentos ancestrales del renacimiento, mientras que el sonido acústico de las guitarras, recuerda aquellos instrumentales en el lute y la guitarra clásica de Jan Akkerman o del mismo Steve Howe.
El grupo entregaría más trabajos, agregando a su formación a la cantante Sonia Nedelec con quién el grupo toma una nueva dimensión. Recomiendo escucharlos.
Rating: 8,5
Piezas esenciales: Le Chant Du Monde, Sarabande No. 2
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¿Porque les gustará a las modelos para adultos tener tantos alias?
A esta menudita rubia se le conoce oficialmente como Sophie Moone pero tambien se le puede encontrar como Sasha Saint, Tammi y Sophie Moore. Y todo para que su verdadero nombre sea Renáta Somossy. Francamente de Risa.
La cuestión es que es una de las modelos llegadas desde Budapest, hungría a los Estados Unidos. Fue seleccionada para tener su propio programa de cable en el canal para adultos Playboy TV. La emisión tiene el sugestivo título de Sophie’s Wet Dreams.
Tiene 25 años de edad y sus medidas son 34B-24-35.
Esta rubia nos podría demostrar que no es totalmente necesario tener un busto exhuberante para seducir a los vistantes de La Taberna.
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Da una enorme satisfacción cuando uno descubre un buen grupo de Rock.
Poco después de que este disco apareció en el mercado, recuerdo haber estado gratamente impresionado por esta banda, por su gran habilidad técnica y su creatividad. Pero especialmente porque me sonaba más a un grupo progresivo de los años setenta que a un grupo de Grunge, Metal o Punk. ¡El Rock progresivo estaba de regreso y sonaba tan fresco como nunca!
Este quinteto de USA creo una amalgama de elementos realmente interesante: La composición intrincada del mejor Kansas, la sofisticación de Yes y Genesis, las complejas vocalizaciones de Gentle Giant y el encanto de las melodías de The Beatles. ¡Genial!
Spock’s Beard despliega gran variedad de recursos: El bajo suena como el Rickenbacker de Chris Squire y la guitarra distorsionada tiene una presencia fantasmagórica, gracias al continuo uso del trémolo. Dentro de las extensas y sinfónicas composiciones, el grupo presenta ocasionalmente segmentos de guitarra acústica e interludios de piano. También tenemos texturas de mellotrón y mucho órgano Hammond.
Pareciera con esta descripción que este disco sonaría fuera de época o pasado de moda. Pero en absoluto… no lo es.
Este es el segundo álbum en la discografía de Spock’s Beard y debe considerarse junto con “The Light” (1995) y “V” (2000) como el gran legado de esta banda, en la etapa en que fue dirigida por el gran compositor Neal Morse. Un disco que no debe perderse. Realmente Brillante.
Rating: 9,5
Piezas esenciales: Thoughts, The Doorway.
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El tecladista Clive Nolan se las arregló para hacer de Arena un grupo más progresivo, más heavy y más épico que -su otra banda- Pendragon.
Este segundo disco significa una continuación del Hard-Rock sinfónico desarrollado en el disco debut. Incluso, repite la fórmula de intercalar piezas épicas con pasajes instrumentales, a manera de interludios.
La música de Arena es altamente categórica porque condensa una propuesta de Rock progresivo moderno basada en el sonido agresivo del metal clásico europeo, pero con más espacio para los teclados y con composiciones más ambiciosas.
Además, este es uno de los dos discos en los que participa el cantante Paul Wrightson, en mi humilde opinión, el mejor vocalista que ha tenido Arena en toda su historia. (El otro álbum es el aclamado The Visitor de 1998).
Definitivamente un grupo recomendado para quien busque un Rock Progresivo que logre acentúar la palabra “ROCK”.
Rating: 9
Piezas esenciales:
Empire Of A Thousand Days (Alucinante pieza de gran nivel técnico)
Medusa (Estupendo single)
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Bajo el régimen comunista húngaro, en los primeros años ochenta surgió una agrupación musical llamada Solaris. A su favor tenían la gran tradición de música clasica de la que goza ese país y decidieron aprovecharla bajo un contexto moderno de Rock Progresivo. En contra tenían… todo lo demás.
Tras un par de grabaciones amateur, aparece su primer álbum oficial Marsbeli Kronikak -Titulo inspirado en la novela futurista “Crónicas Marcianas” de Ray Bradbury*- disco que con el paso de los años, se convertiría en un clásico indispensable en la colección de los verdaderos conocedores del progresivo.
El primer track supone que se trata de un álbum de música electrónica pleno de sintetizadores en la línea del mejor Tangerine Dream. Pero al ir escuchando la obra, nos damos cuenta de que en realidad, el disco desarrolla un sinfonismo instrumental, espectacularmente ejecutado, entre el Camel instrumental de The Snow Goose, algo de Jethro Tull y de los yugoslavos Tako.
El director de esta “pequeña orquesta” es el flautista Attila Kollár mientras que el fallecido guitarrista István Cziglán tomaba un rol protagónico con su estilo melódico y limpio, pieza clave dentro de este esplendoroso Rock instrumental.
Es para mí sorprendente ver cómo una banda modesta, de un país “exótico”, podía sonar tan bien en el año de 1984. Basándome en mi propia apreciación -Y tambien en otras más que he leído y escuchado- este trabajo podría ser uno de los mejores discos instrumentales de Rock Progresivo de todos los tiempos.
Rating: 10
Piezas esenciales: Todo el disco.
Para descargar visite el sitio de Prog Not Frog.
*Nota: Algunas fuentes -las menos- citan al libro de Stanislaw Lem como el verdadera fuente de inspiración de este disco, en lugar del de Ray Bradbury.
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Continuando con el desfile de Taberneras tenemos ahora a la exhuberante Cody Milo, modelo de 21 años originaria de Los Angeles, California.
Ella empezó siendo una bailarina exótica y ahora es flamante modelo de la publicación Penthouse. Sus medidas son 34D-24-29 y esta voluptuosidad se logró con la “pequeña” ayuda de un par de implantes.
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Aclamado por muchos sectores de la crírica progresiva, “Dark Matter” es el octavo disco en estudio de la banda inglesa IQ.
El quinteto no sólo sigue produciendo resultados sobresalientes con su Rock Progresivo obscuro, sino que la madurez de más de veinte años de carrera ha hecho del grupo una entidad muy sólida. En este álbum IQ es capaz de crear una lúgubre atmósfera siniestra para luego explotar en un segemento alucinante y pesado de sinfonismo progresivo.
Las influencias del primer Genesis aún pueden sentirse -principalmente en la pieza monumental Harvest of Souls, que intenta ser otro “Supper’s Ready”- pero en realidad IQ ha tomado una identidad moderna y propia, al grado de que difícilmente podremos encontrar otro grupo Neo-Progresivo que maneje este mismo estilo parsimonioso, sombrío y bien ejecutado.
Esto hace que muchos reconozcan su originalidad mientras otros le rechacen por no ser parecidos a lo que acostumbran escuchar, especialmente la vocalización de Peter Nicholls.
Como en toda la música progresiva, el escucha se verá recompensado si persiste. En el caso de “Dark Matter” recomiendo tratar, pues es un trabajo sobresaliente en el que se cubren totalmente las -pocas- carencias que el grupo mostró en álbumes anteriores.
Rating: 9.5
Piezas esenciales: Prácticamente todo el disco.
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Pendragon surgió en los años ochentas como un intento de revivir las viejas glorias del progresivo melódico como Genesis, The Moody Blues y Camel.
Su sexto album en estudio “Not of this world” fue un disco que se llevó muchos años en ser completado, puesto que por esa época el guitarrista y principal compositor Nick Barret tuvo que sobreponerse al divorcio de su primera esposa. Las piezas musicales grabadas durante ese periódo en su vida, representan de manera confesional la decepción consecuente.
En efecto, la música de Pendragon siempre fue melódica y romántica (En el sentido de que es un Rock sentimentalmente muy intenso). La poesía está siempre presente y la temática es muy personal. Esta obra no es la excepción.
Por ejemplo: en If I Were The Wind Barret explica a su pequeño hijo -a manera de cuento de piratas- que tendrá que enfrentar a la “tormenta” de que sus padres se han separado para siempre.
En Green Eyed Angel el guitarrista se pregunta como es que la persona que mas se ama puede ser la misma que te lleve a la ruina sentimental, mientras interpreta brillantes solos de guitarra a la David Gilmour.
Como Pros tenemos la gran habilidad que tiene este grupo para crear pasajes musicales tremendamente placenteros. Barret es un guitarrista de gran talento y en cada solo lo demustra. Como contras -Si usted es un progresivo duro- se trata de composiciones simples, por momentos más cercanas al formato de “Canción de Rock” que a la sinfonía progresiva.
De cualquier manera, aquellos que sean capaces de disfrutar de un rock neo-progresivo épico, energético, pleno de hermosas melodías e imagenes poéticas, tienen en Pendragon una buena opción para satisfacer sus expectativas.
Rating: 8.5
Piezas esenciales:
If I Were The Wind (And You Were The Rain)
Man Of Nomadic Traits (Tal vez lo más progresivo del álbum con un solo de guitarra final de antología).
Pieza sobrante: “The Lost Children”
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Incluye Bonus Tracks acústicos.
Porcupine Tree es un cuarteto que emerge del pequeño pueblo en Hertfordshire, Inglaterra, para mostrar al mundo su eficiente fórmula de Rock Progresivo Moderno.
Todo empezó como un proyecto personal del joven guitarrista y cantante Steven Wilson, quién experimentaba en su propio estudio de grabación, con influencias del Rock Psicodélico de los años sesenta y setenta.
Su primeras grabaciones On The sunday Of Life (1992) y Up The Downstair (1993) para la compañía Delerium Records, contienen las primeras composiciones de Wilson, que recuerdan al Rock Cósmico de viejas glorias como Pink Floyd y Eloy pero, tambien se asemejan al Rock Ambiental de bandas contemporáneas como The Orb y Ozric Tentacles. El guitarista ejecutaba todos los instrumentos y hacía las programaciones de batería.
Al editar su aclamado tercer álbum The Sky Moves Sideways (1995) Wilson hace de Porcupine Tree una verdadera banda, invitando a los siguientes músicos: El tecladista Richard barbieri (Quién tocara en la banda Japan, al lado del legendario David Sylvian), el bajista Colin Edwin y finalmente un baterista en la persona de Chris Maitland. El nuevo grupo recibe la aclamación de los críticos de todo el mundo quienes califican a la banda como “El Pink Floyd del nuevo siglo”.
El grupo se consolidó con albumes como “Signify” (1996) y el estupendo en directo “Coma Divine” (1997) grabado en Roma Italia. El respeto por el grupo llega a tal grado que Steven Wilson es requerido por Fish (Ex-cantante de Marillion) para producir sus discos en solitario. Wilson sería responsable de que el -venido a menos- cantante Escocés pudiera retomar el vuelo.
En sus siguientes grabaciones para la compañia Snapper Music, Porcupine Tree acorta sus piezas y las acerca a las tendencias modernas como el Ambient, el Trip e incluso el Metal. Con discos como Lightbulb Sun (2000) muchos aficionados del Rock Alternativo descubren a la banda. Como resultado de esta nueva popularidad, el cuarteto firma con una compañía transnacional, siendo uno de los pocos grupos progresivos en la actualidad -quizás el único- que goza de esa ventaja.
En el año 2003 Maitland deja al grupo para integrarse a Kino. El nuevo miembro sería el no menos capaz baterista Gavin Harrison, quién hace su debut con la banda en el popular disco In Absentia. Además el nuevo músico apoyaría a Wilson en su calidad de compositor.
Si bien, la música de Porcupine Tree siempre se ha basado en conceptos sombríos y amenazantes, en últimos tiempos se ha vuelto más cinemática. El disco Deadwing (2005) toma inspiración de un guión de cine y resulta ser el disco más pesado de su discografía. Estos conceptos visuales se manifiestan plenamente en el DVD en concierto del grupo y se espera que se sigan utilizando dentro del esperado lanzamiento de Fear Of A Blank Planet para este 2007.
Biografía redactada por Rhayader para la Taberna De Rael.
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“Hocus Pocus” es una pieza de la cual todos los guitarristas desean aprenderse el Riff para divertirse.
Este extraño y locuaz pasaje musical que incluye al organista Thijs Van Leer cantando tirolesas -cual campesino suizo en los alpes- o balbuceando como demente, no es la pieza que describa realmente la música de Focus… pero tiene la virtud de mostrar a un grupo en pleno esparcimiento, sin caer en el error de tomarse a sí mismo demasiado en serio.
Por ser “Hocus Pocus” la pieza más popular del repertorio, mucha gente olvida que el principal propósito musical del grupo, era hacer piezas de Jazz-Rock instrumentales con influencias clásicas.
Eso último es lo realmente contiene “Moving waves”, el segundo trabajo dentro de la discografía de Focus.
El cuarteto se aleja de las piezas cantadas del primer álbum para adentrarse de lleno en los instrumentales. El grupo funciona en torno a Van Leer y al gran guitarrista Jan Akkerman quienes lograron -por un tiempo- balancear sus talentos para crear buena parte del mejor progresivo holandés de todos los tiempos.
No sería lo último grandioso que grabarían.
Rating: 9
Piezas esenciales. Focus II, Eruption.
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Notas adicionales:
Varios grupos de Heavy Metal han tenido predilección por “Hocus Pocus”. Los alemanes Helloween grabaron la pieza para el disco “Metal Jukebox”. El gran Iron Maiden ha hecho lo propio para una de las “caras B” de sus sencillos más recientes.
Hasta la violinista comercial Vanessa Mae ha encontrado divertido el interpretar esta canción. Supongo que su versión estaría mas “descafeinada”.
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El lider de Jethro Tull, Ian Anderson, no consideraba que “Aqualung” fuera un disco conceptual. Entonces, en su siguiente trabajo, quizo demostrarle al mundo lo que realmente debiera ser un disco “conceptual”. ¡Y vaya que lo logró!
Anderson creó el personaje de Gerald Bostock, “El pequeño Milton”, un niño que gana un concurso de poesía. El escrito se titulaba “Thick as a Brick” y trataba sobre el reto que significa crecer y madurar.
Antes de que el niño pudiera disfrutar de su triunfo, es descalificado. Pues algunos de los jueces consideraron que el poema era demasiado atrevido y juzgaron la mente de “El pequeño Milton” como “perturbada”.
El texto completo del poema es la letra de la única pieza que contiene el álbum, dividida en dos partes, dada las limitaciones del antiguo disco de acetato.
La portada del disco muestra la primera plana de un periódico que narra la noticia.
Curiosamente, Ian Anderson le otorgó oficialmente el credito de las letras a su personaje ficticio, por lo que todos nos hemos preguntado alguna vez si realmente existía una persona con el nombre de Gerald Bostock.
Qué decir sobre la música. Este disco presenta el giro definitivo de Jethro Tull -inicialmente una banda de blues- hacia el Rock Progresivo. Es el álbum en el que Jethro Tull incluye mayor influencia de la música barroca y más trabajo de saxofón.
Rating. 10
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Es una enorme satisfacción darse cuenta que después de treinta años de carrera en solitario, el gran guitarrista Steve Hackett se mantiene fiel a sus principios musicales. Evolucionando, pero sin dar concesiones. Sin perder calidad.
Su técnica es admirable. Se trata de uno de esos guitarristas discretos que no hacen gran alarde, ni adoptan poses a la hora de tocar. Sin embargo, logran sacar de sus instrumentos sonidos bárbaros y técnicas sofisticadas.
“To Watch The Storms” tiene el estilo clásico de sus composiciones tan originales, aparentemente obscuro e introspectivo. No obstante, cuando llega el momento de los pasajes instrumentales de guitarra, la música adquiere la mayor espectacularidad posible. Sus composiciones actuales logran aglutinar influencias muy variadas. Desde el progresivo duro, la guitarra clásica, un poco de jazz y folklore. Pero al final, sus composiciones son inconfundibles.
En recientes grabaciones Hackett ha utilizado elementos “modernos” como samples, programaciones y efectos novedosos de sonido en su guitarra. En este disco aparecen tales recursos, sin llegar a dominar el escenario por completo. La esencia del guitarrista sigue siendo el Rock Sinfonico con toques experimentales.
Creo que este puede ser uno de los mejores trabajos en su fructífera carrera.
Rating: 9.5
Piezas esenciales: Frozen Statues / Mechanical Bride (Un portento de Rock progresivo, una de las mejores piezas que he escuchado en los últimos años).
Brand New (Una canción muy agradable en la que Hackett alterna de manera repentina sus estilos acústico-tradicional y electrónico-experimental )
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Un brillante disco debut del supergrupo ELP que responde plenamente a las expectativas de aquellos quienes habían visto a estos músicos destacar en sus bandas anteriores, The Nice, King Crimson y Atomic Rooster.
Usted podrá excuchar una brillante combinación de Jazz, Rock, Folk y Música Sinfónica con un dinamismo sorprendente. Todo se desarrolla en piezas extensas que tienen como base el piano y el órgano Hammond.
las influencias clásicas son más que evidentes: Una parte de la primera pieza “The Barbarian”, esta inspirada en el “Allegro Barbaro” del músico húngaro Béla Bartók, mientras que “Knife Edge” esta basada en el primer movimiento de la obra “Sinfonietta” del musico checo Leoš Janáček. Ambas de principios del siglo XX.
La pieza más simple, “Lucky Man” es una balada que había compuesto Greg Lake en su adolescencia y no iba a ser contemplada para aparecer en el álbum. Sin embargo, el temor de la compañía disquera de no encontrar un single con posibilidades de éxito, hace que el grupo reconsidere su inclusión.
El solo de sintetizador es tomado de una simple improvisación de Keith Emerson en el estudio, que -sin proponerselo- encajó mágicamente en la grabación.
Rating: 9.5
Piezas esenciales: Take A Pebble, Knife Edge.
Notas adicionales:
¡El gran Jimi Hendrix había considerado formar parte de este proyecto!
Esta posibilidad se dió porque en un principio Emerson y Lake habían considerado invitar a Mitch Mitchell de The Jimi Hendrix Experience. Este baterista -mas orientado al blues- no estuvo interesado en unirse, lo que le dió la oportunidad al jovencito Carl Palmer de tomar el puesto.
Sin embargo, la noticia llegó a oídos de Hendrix quien sí manifestó interés en participar en el proyecto. Incluso, la prensa llegó a especular que con la posible inclusión del guitarrista de color, el nombre del supergrupo sería H.E.L.P.
El ensayo con Hendrix sería en septiembre de 1970, pero -como todos sabemos- el gran guitarrista murió por esas fechas.
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La trilogía de los gnomos invisibles comprende los álbumes editados por la agrupación multinacional Gong, entre los años 1972-74 y que son señalados como la cumbre artística de esta primera etapa del septeto liderado por el locuaz músico australiano Daevid Allen. Sin duda, trabajos extraños que combinan un inusual humor lírico con un música de gran nivel técnico.
La música de Gong no es para todos. Quienes buscan Progresivo Sinfónico esplendoroso, deberían eliminar sus expectativas de encontrar algo aquí. En cambio esta trilogía nos entrega un Jazz-Rock cósmico, insano y disparatado, basado en la imaginación de Allen, que inventa la pseudo-mitilogía de los duendes verdes que se comunican telepáticamente con un personaje denominado “El héroe cero”, viviendo toda clase de bizarras aventuras.
Si suena extraño el concepto, la música puede ser más. El grupo se envuelve en canciones cortas de rock psicodélico, espectaculares piezas instrumentales de Jazz con estupendos efectos de teclado, o intermedios que pueden tratar de cualquier cosa: gemidos, conjuros, mantras, o narraciones con sonidos extraños.
El grupo es particularmente brillante cuando se deja llevar por los esos ricos instrumentales que combinan, la guitarra glissando de Allen, los solos de Steve Hillage, el extraordinario saxofón del francés Didier Malherbe y los teclados etéreos de Tim Blake; Todo soportado eficazmente por la batería de Pierre Moerlen -otro francés- y el bajo de Mike Howlett.
El humor torcido de Allen puede ser apabullante, especialmente en las locuaces vocales que saturan los dos primeros volúmenes. Sin embargo, la música vale la adquisición de la trilogía completa, en especial del tercer volumen, que adolece de ese defecto y nos permite disfrutar aún más de su extraordinariamente técnico Rock cósmico.
Enlaces para descarga:
Part I: Flying Teapot
Rating: 8.5
Piezas esenciales Radio Gnome Invisible
Part II: Angel’s Egg
Rating: 8
Piezas esenciales: Oily Way, I Never Glid Before
Part III: You
Rating: 9.5
Piezas esenciales: The Isle Of Everywhere, Master Builder
Nota curiosa:
Después de la salida al mercado de “You” Daevid Allen y su esposa Gilli Smyth abandonarían -temporalmente- al grupo. Las locuras ácidas de Allen llegaron a un nivel preocupante cuando en 1975, en medio de una audición en Cheltenham, Inglaterra, el australiano se negó a salir al escenario argumentando que un “campo de fuerza” le impedía el paso (!). Desde entonces Allen se separa de Gong para reintegrarlo dos años después.
