Archivado en: Rock Progresivo
Un disco díficil de escuchar debido a la naturaleza obscura de la música de la banda de Peter Hammill. Muchos señalan este disco como el punto máximo en la carrera de VDGG, pero esto no significa que sea el álbum por el que uno debiera empezar a escucharles. Por otro lado, quién ya esta familiarizado con el estilo del grupo disfrutará de esta obra al máximo.
Solo contiene tres piezas con duración mayor a los 10 minutos y en ellas se encuentran varios de los despliegues de mayor dolor y desesperanza grabadas por la banda. La pieza “A Plague of Lighthouse Keepers” narra la tragedia de un vigilante de la costa encargado de un faro. Este personaje vive solitario enfrentándose con sus demonios, rayando en la locura y termina lanzándose al mar.
Entonces, la música y las vocalizaciones son por momentos tristes, desoladas y por momentos trastornadas, terribles y torturadas. Los pasajes apacibles son inesperadamente sustituídos por segmentos de música muy bizarra, que sin embargo complementan a la obra a la perfección.
Desafortunadamente, no todas las personas entendieron la propuesta artística de VGGG y muchos les ubicaron como un grupo “subersivo” o “extremista” por lo que algunos de sus conciertos de esta etapa fueron visitados por comunistas y neo-fascistas, cosa que a Peter Hammill le desgradaba.
Cabe mencionar que en algunas ediciones de este álbum aparecía una cuarta pieza musical más breve, compuesta por el célebre productor George Martin, el genio detrás de The Beatles. Otro dato extraño de este trabajo, tan poco accesible para el público en general, es que llegó a ser número uno en las listas de Italia.
Rating: 10
Pieza esencial. A Plague Of Lighthouse Keepers
Supergrupo inglés de Rock Progresivo Sinfónico, formado a finales de 1970. Sus miembros eran Keith Emerson (Ex-tecladista de The Nice) Greg Lake (Ex-bajista de King Crimson) y Carl Palmer (Ex-baterista de Atomic Rooster).
Su música era atrevida y pretenciosa ya que fusionaban la Música Clásica, el Rock y el Jazz de una manera irreverente y espectacular. Su sonido era muy novedoso puesto que la base armónica era constituida por los instrumentos de teclado y no por las guitarras. Sus composiciones podrían ser pasadas por un análisis musical serio. Su organista y pianista Keith Emerson es -sin lugar a dudas- un virtuoso que sorpendió al mundo del Rock de igual manera que lo hizo Jimi Hendrix. Por su parte Lake y Palmer eran dos jóvenes instrumentistas bastante competentes que podían soportar sin problemas el trepidante arrojo de su tecladista.
Sus primeros cinco discos son considerados los mejores de su discografía, destacando dos obras maestras Tarkus (1971) y Brain salad Surgery (1973). Durante esta etapa el trío produjo un Rock altamente dinámico y poderoso haciendo incluso modernas rendiciones a obras clásicas como “Pictures at an exhibition” del músico ruso Modest Mussorgski.
Después de un año sabático (1975) el grupo inicia un nueva etapa en la que cada miembro presentaría trabajos en solitario. Contrario al plan inicial, estas nuevas piezas aparecieron bajo el nombre de Emerson Lake and Palmer y se editan en los tres volúmenes de la colección Works (1977). De estos álbumes procede el arreglo de Rock Sinfónico a la pieza de Aaron Copland “Fanfarre for the Common Man”.
A pesar de su gran capacidad musical, el trío fue propenso a caer en los excesos del estrellismo, creando un enorme aparato alrededor de sus conciertos. Por ejemplo: Emerson y su piano eran sujetados por grúas, dando vueltas de 180 grados en el aire, mientras ejecutaba un solo (!) Posteriormente acuchillaba su órgano hammond mientras lo tocaba Al revés (!). Esto tipo de desplantes fueron señalado por los nuevos rockeros como banalidades de unos rockeros millonarios y “vendidos”.
Sin embargo, el grupo no logró enriquecerse tanto como sus críticos lo hubieran creído. La gira de 1978 en la que planeaban llevar consigo a toda una orquesta sinfónica, tuvo que culminar a la mitad del camino por problemas financieros. Finalmente, la crisis llegó cuando el disco Love Beach (1979) reporta muy baja aceptación, provocando el rompimiento del trío.
En la decada de los ochentas hubo dos intentos por revivir a la trilogía sin que pudiera concretarse la reunión los tres miembros originales. En la primera “reunión” participó el excelente baterista de Heavy Metal Cozy Powell, en la segunda, el bajista-guitarrista Robert Berry. La tan ansiada reunificación llegaría hasta 1991 con el bien recibido disco Black Moon.
Desafortunadamente, en el año de 1998, nuevos desacuerdos llevaron a la disolución, al parecer definitiva de Emerson Lake and Palmer, quedando para la historia como el trío de Rock Sinfónico más espectacular del mundo. Igualmente, se señala su trabajo en los primeros años setentas, como un referente de gran importancia para la música contemporánea.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
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A sugerencia de un buen amigo he decidido iincluir en este blog como Tabernera a Sweet Krissy. Ella es una exhuberante chica canadiense, del grupo de “protegidas” por la tambien modelo Kate Ground (Ver entrada anterior).
Con veinte (?) años recién cumplidos y medidas 34D-26-36, en sus fotos esta morena no deja nada de sus grandes atributos a la imaginación y tiene el honor de ser la última tabernera del año 2006.
Ya viene el año nuevo, con más chicas, para acompañar la buena música de La Taberna de Rael.
El album de las dos vampiresas en paños menores. Estas dos atrevidas mujeres eran Constanze Karoli y Eveline Grunwald, dos fans alemanas del grupo Roxy Music. Las mismas que ayudaron al cantante Bryan Ferry a traducir la letra de una de las piezas centrales de este disco “Bitter-sweet” del inglés al alemán.
La idea de la foto era parodiar a la revista “Vida campestre” y de manera absurda, esta portada fue censurada en muchos almacenes siendo cubierta por una bolsa de plástico verde.
Aun más que por su portada, este álbum es célebre por su música, díficil de clasificar y de analizar. Demasiado Glam para ser Progresivo, demasiado Progresivo para ser Glam.
De los tres discos en estudio editados con Eddie Jobson como violinista-tecladista, este es el más reconocido. Las piezas tienen una producción extraña, áspera y densa que, sin embargo… da en el clavo. Incluso las piezas más directas y rockeras suenan oscilantes y plenas de extravagancias sónicas.
Sin duda este grupo supo envolverse en su muy particular misterio y no hubo otra banda que pudiera reproducir este sonido.
Rating: 9
Piezas esenciales: Out Of The Blue, Bitter-Sweet
¿Dinosaurios?
Así les llaman. Este tipo de grupos desplegaban una música imaginativa, cuidadosamente arreglada y con pretensiones intelectuales. Casi todos los dinosaurios progresivos provenían de Inglaterra y Europa pero en U.S.A. existió una banda que se atrevió a pisar estos terrenos: Kansas.
Leftoverture es uno de sus mejores álbumes y también el más accesible de su etapa progresiva. En este trabajo la banda puede ofrecer un Rock potente y virtuoso, un piano elegante y bien ejecutado, influencias de folklor con un violinista bastante diestro y peripecias vocales a cargo de Steve Walsh. Las piezas son en su mayoría rítmicas y con mucha energía, material de lo más representativo en la historia de Kansas. Baste mencionar “Carry on wayward son” y “Miracles out of nowhere”.
Si he de escoger entre uno de estos “Dinosaurios pretensiosos” y unos “Descerebrados contemporáneos” prefiero quedarme en el parque jurásico.
Rating: 9
Piezas esenciales: Carry On Wayward Son, The Wall.
Enlace para descarga
Versión remasterizada con bonus tracks.
Roxy Music fue el grupo que formó Bryan Ferry en 1971, después de audicionar como aspirante a vocalista de King Crimson. Su voz no fue la elegida, pero el guitarrista Robert Fripp quedó tan gratamente impresionado que influyó favorablemente en la firma del grupo con la compañía E.G. Records.
la propuesta inicial del quinteto muestra la energía y la extravagancia del movimiento Glam-Rock inglés de principios de los setenta, pero también la sofisticación del Arte-Rock, algo que se acentúaba con la inclusión de instrumentos de viento y cuerdas. Algunas de sus piezas tenían cierto toque decadente que procedía de la música alemana de cabaret.
Rxy Music tuvo en sus filas a gente tan importante como un jovencito Brian Eno en los sintetizadores, Phil Manzanera en la guitarra, Andy Mackay en saxofón y oboe, Eddie Jobson en el piano/violín, Paul Thompson en la batería y -por un periódo muy breve- John Wetton en el bajo. El compositor de casi todas sus piezas es Bryan Ferry.
Sus primeros discos fueron favorablemente recibidos por la crítica y resultan ser sus obras más ambiciosas y extravagantes. Eno participa en los dos Primeros: Roxy Music y For Your Pleasure (1972), Jobson lo substituye para los siguientes trabajos en el que destaca el consistente Country Life (1974).
En 1976 el grupo pasa a la inactividad reapareciendo tres años después con una nueva formación, conservando a Ferry-Manzanera-MacKay como el núcleo sobreviviente del quinteto original. Partcipan nuevos músicos como el baterista Andy Newmark y el tecladista y cantante -entonces desconocido- Paul Carrack.
El nuevo estilo del grupo es pomposamente sofisticado y cuidadosamente arreglado, lo que les permite renovar el culto por la banda y gozar del éxito proporcionado por álbumes como Flesh + Blood (1980) y el extraordinario Avalon (1982). Después de grabar esta última obra, (Una amalgama de Pop sofisticado, Jazz suave, World Music y Soul) el grupo se desintegra, como aquel atleta que se aleja su profesión en el pináculo de su carrera.
Esa promesa se rompió en 2001 cuando Ferry-Manzanera-MacKay-Thompson más respetados músicos de estudio, se reúnen para hacer giras y participar en festivales de caridad como Live 8. El puesto que alguna vez perteneciera a Brian Eno y Eddie Jobson ahora es ocupado por la excelente violinista-tecladista Lucy Wilkins.
A pesar del éxito de las giras y álbumes en vivo subsecuentes, todo indicaba que se trataría simplemente de una reformación por pura nostalgia. Sin embargo, en últimos meses se ha confirmado la noticia de que Roxy Music estaría grabando un nuevo disco con la participación incluso del legendario Brian Eno. Este prometedor disco estaría terminado en el año 2007.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
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Una observación personal:
Algunas veces he visto con lástima como ciertos “críticos” desprecian al super trío Emerson Lake and Palmer, señalándolo como la antítesis de lo que debería ser el Rock… Que pena.
ELP son la antítesis de The Ramones pero no del Rock. Si esos “sabios” escucharan con detenimiento la pieza Karn Evil 9 encontrarían mayor fuerza, atrevimiento, pesadez, elementos bizarros, e incluso testosterona que en cualquier disco de en el que participe el auto-destructivo y malogrado niño Sid Vicious.
Esos charlatanes deberían conseguirse una copia de Brain Salad Surgery, el disco más obscuro en la discografia de ELP y tomarse el tiempo para escucharlo -completo- antes de correr como gallinas despavoridas.
Reseña:
En este álbum ELP logra su punto máximo de experimentación y profundidad sinfónica, sin dejar de mencionar que es -por mucho- su obra más agresiva, algo que claramente se ilustra en el descomunal trabajo artístico de la portada.
La fuerza rockera se manifiesta en pleno, mientras que las influencias clásicas son más obscuras, y los segementos de Jazz acostumbrados por el trío, son más rápidos y complejos.
La bizarra versión de Toccatta de Alberto Ginastera es más que notable, mientras que Karn Evil 9 queda junto con Tarkus y Pictures at an exhibition como las obras máximas de la trilogía.
Rating. 10
Pieza esencial. Karn Evil 9 (Toda la suite)
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(Versión Remasterizada con Bonus Tracks)
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La música de Van Der Graaf es diferente a todo lo que pudieramos haber escuchado anteriormente por varias razones:
El formato tan inusual en el Rock de órgano, piano, saxofon y batería es francamente innovador. El agresivo toque de sax a la John Coltrane de David Jackson es poco visto en el Rock. Y por último, la versatilidad y el rango del cantante Peter Hammill es brutal, cantando por momentos con una calma conmovedora, para luego pasar a la fiereza de un grito demencial.
Además las composiciones de Hammill pueden ser complejas, libertinas, torcidas o desconcertantes, siempre dejando al escucha sorprendido. Sus letras son poéticas con alto grado de confesión sentimental o en su defecto, con produnda denuncia.
Este disco no es tan bizarro como “Pawn Hearts” o “H To He” pero sí puede ser considerado como otra obra climática; un excelente punto de partida para quién desee adentrarse a las aguas pantanosas de Peter Hammill y su banda.
Rating: 9
Pieza esencial: Still Life
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Esta descarga necesita una contraseña: floodlitfootprint.blogspot.com
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Una vez existió un quinteto llamado Renaissance que se propuso fusionar la música clásica con el Rock Progresivo de manera pura y altamente orquestada. Para ello contaron con músicos altamente entrenados y con una cantante de ópera llamada Annie Haslam. Su obra cumbre es Scheherazade And Other Stories cuya suite de 25 minutos de duración “Song Of Scheherazade” está basada en el famoso relato de oriente “Las mil y una noches”. Cabe aclarar que esta no es la obra de Rimsky Korsakoff sino una pieza original.
Se trata de el álbum más representativo del estilo de Renaissance: Piezas largas con acompañamiento de orquesta sinfónica e instrumentos milenarios, luciendo por encima de la base de bajo eléctrico y batería. La esencia del quinteto inglés es la música acústica. Por tanto, no existen la guitarra electrica ni los sintetizadores, sino la guitarra española y el piano.
Rating: 10
Piezas esenciales: Song Of Scheherazade, Mother Russia.
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La música de este álbum esta basada en la obra literaria “Las uvas de la ira” escrita por John Steinbeck, que narra las desventuras de una familia norteamericana durante la época de la gran depresión económica.
El sentimiento es de una constante melancolía, que apenas se ve iluminada por la luz que produce la fe cuando todo parece adverso.
A partir de este disco la música de Camel se vuelve altamente orquestada, abundante en cuerdas. Se pierde un poco de fuerza Rockera pero se gana en majestuosidad y sofisticación asemejándose a un soundtrack, sobretodo en los abundantes segmentos instrumentales.
Por otro lado, Camel se convierte en un proyecto casi personal del guitarrista Andy Latimer quién queda al frente de Camel como el único miembro original que continúa en la formación. De cualquier manera, se rodea de buenos músicos como Colin Bass (Bajo), Paul Burgess (Batería) y Ton Scherpenzeel (Teclados).
Recomendado para aquellos que pueden disfrutar de música progresiva suave y altamente orquestada.
Mi rating: 8.5
Pieza esencial: Cantada: Rose of Sharon, Instrumental: Hopeless Anger
Enlaces Para descarga, en el blog de Sakalli.
Grupo Inglés de Rock Progresivo dirigido por el guitarrista Robert Fripp. A diferencia de grupos como Yes o Genesis, Crimson marcó una ruta más obscura y pesada, partiendo del Jazz avanzado de John Coltrane o Miles Davis, y de la música pre-contemporánea de Bela Bartok o Igor Stravinsky. El resultado siempre ha sido un Rock complejo e intenso, que les ha valido colocarse a la cabeza del ala más “pesada” del Rock Progresivo.
El grupo ha trabajado en ciclos más o menos breves, dejando una gran cantidad de grabaciones:
1969-1972. En su primera Etapa eran un quinteto de Jazz y Rock Psicodélico con un estilo inquietante. Además de la guitarra y el melotron, el grupo incluye saxofón e instrumentos de viento. La formación del grupo no fue estable, viendo pasar por sus filas a gente como Greg Lake, Ian McDonald, Boz Burrell, Mel Collins y muchos otros. Los álbumes clave son In The Court Of The Crimson King de 1969 y Lizard de 1971.
1972-1975: Crimson se convierte en un cuarteto con una formación estable, con Fripp, el bajista y cantante John Wetton, el baterista Bill Bruford, y el violinista y tecladista David Cross. El violín toma el lugar que tenía el saxofón, continúa el melotrón y las improvisaciones de Jazz. El sonido del grupo se vuelve más siniestro. Los álbumes más representativos son Larks Tongues In Aspic de 1973 y Red de 1974.
1981-1984: Después de seis años de desintegración el grupo vuelve a la carga conservando el nucleo de Fripp-Bruford y agregando la guitarra experimental de Adrian Belew y el bajo y Stick de Tony Levin. El estilo del grupo es totalmente nuevo, olvidándose del Jazz y los instrumentos clásicos. Ahora con dos extraordinarios guitarristas y un virtuoso del bajo, el grupo se convierte en un festín de técnicas musicales avanzadas, con arreglos más modernos. Bill Bruford experimenta con las nuevas baterías electrónicas creando ritmos más sintéticos (o industrializados si lo prefiere). Esta es la etapa más accesible y el álbum más importante es Discipline de 1981.
1994-1999: Un nuevo ciclo inicia en 1995 con una innovador formato de sexteto o trío doble: Por un lado Fripp, Bruford y Levin por el otro Belew, el stick de Trey Gunn y los tambores de Pat Mastelotto. La música es el resultado de una fusión de los dos periódos anteriores. La posibilidad de tener dos baterista en escena permite la creación de ritmos intrincados, mientras que la presencia de stick y bajo permiten mayor diversificación de sonidos. El grupo graba muchos de sus momentos más intensos en el disco Thrack de 1995.
2000-2006: Levin y Bruford abandonan a Crimson quedando como cuarteto, Continúa la línea marcada anteriormente. Surgen proyectos paralelos llamados ProjecKts para dar espacio nuevamente a los experimentos y las improvisaciones. El mejor trabajo de esta última etapa puede ser The Power To Believe del año 2003.
En ese mismo año Trey Gunn se va para trabajar en solitario. por lo que se reinstala a Tony Levin. El grupo estaría grabando un nuevo trabajo en estudio para el 2007.
Biografía escrita por Rhayader para La Taberna De Rael
Archivado en: Rock Progresivo
Muy posiblemente estamos hablando del disco que inició todo el movimiento de Rock Progresivo. Aquella obra que recibiera comentarios tan entusiastas de músicos tan respetados como Pete Townshend y el mismo lagarto Morrison: “El Rock del futuro”.
Un debut redondo, del quinteto King Crimson dirigido por Robert Fripp y con la participación de las futuras luminaras del Rock, Greg Lake, Ian McDonald, Michael Giles y Peter Sinfield.
Artísticamente este álbum nos ofrece una tremenda fusión de Rock Psicodelico, Jazz, eclecticismo y un toque del sinfonismo contemporáneo de Stravinsky. Todo rodeado de un aura de misterio inquietante y a veces siniestro; el sello que Crimson nunca perdería.
Rating: 10
Pieza esencial: 21st Century Schizoid Man, Epitaph.
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En La Taberna De Rael le damos la bienvenida a esta nueva tabernera “petite” conocida como Sarah Peachez.
Esta modelo es originaria de Las Vegas, USA. Tiene 21 años y sus medidas no son reveladas quizás por no ser tan espectaculares como las de otras taberneras. De cualquier manera es una grata revelación para nuestros visitantes. Ella inició siendo una modelo No Nude pero actualmente es capaz de “revelar todos sus secretos”. En su sitio blog.realpeachez.com ella comparte todas sus aventuras. ¡Y vaya que a esta chiquita le gusta el alboroto!
Archivado en: Rock Progresivo
Posiblemente la obra máxima de Camel, gloria inglesa del Rock Progresivo.
Se trata de una obra completamente instrumental de un esplendor pocas veces escuchado en el Rock. La mancuerna compositora de el guitarrista Andy Latimer y el tecladista Peter Bardens funciona a la perfección, creando brillantes piezas de Rock Sinfónico melódico. Mientras tanto, la sección rítmica compuesta por el bajista Doug Ferguson y el extraordinario baterista Andy Ward crean el mejor soporte que pudo haber tenido esta obra.
La música está inspirada en la obra literaria “El Ganso De Nieve” escrita por Paul Gallico, teniendo momentos de gran intensidad como “Dunkirk” y de gran belleza como “Fritha” y “La Princesse Perdue”. Un disco esplendoroso que debe estar señalado como uno de los cinco álbumes instrumentales más importantes de la historia del Rock Progresivo.
Mi rating: 10
Pieza esencial: Toda la Obra.
Enlace para descarga, cortesía del blog de Sakalli
Genesis, grupo musical de Surrey Inglaterra, fueron únicos en su género. En un principio formaron un quinteto de Rock Progresivo Sinfónico que perfeccionó la concepción de “Rock Teatral” (cuyos primeros esbozos habían sido expuestos por el excéntrico Arthur Brown). Posteriormente suavizaron su música para convertirse en uno de los grupos Pop más populares del mundo.
Sus músicos no provienen de los barrios de la clase trabajadora, sino de un prestigioso colegio particular. En los últimos años sesenta, se conocieron el cantante Peter Gabriel, el guitarrista-bajista Michael Rutherford y el pianista Tony Banks formando el núcleo de Genesis, una banda que pretendía crear un nuevo estilo de Folk-Rock con alcances sinfónicos, basados en arpegios de guitarra de 12 cuerdas y fraseos virtuosos de piano y órgano.
En 1971 se integran el excelente guitarrista Steve Hackett y el joven baterista Phil Collins. Con ellos inicia la etapa más celebrada del quinteto, desplegando firmemente lo que los críticos llamaron “Rock progresivo”. Particularmente, Peter Gabriel se convirtió en un carismático cantante gracias a que representaba varios personajes en escena, apoyándose en el uso de disfraces y maquillaje. Estos recursos eran usados de manera muy diferente lo que hacían bandas como Kiss y Alice Cooper (Quienes convirtieron el show de Rock en un circo sensacionalista). A diferencia de ellos, Gabriel le daba una dimensión estrictamente teatral al espectáculo de Genesis.
Los grabaciones de esta etapa son especialmente recordadas por los aficionados, debido a su gradilocuencia y su ambiciosos arreglos musicales. Aunque no lograron el éxito comercial de otras bandas, discos como “Foxtrot” (1972) Y “Selling England By The Pound” (1973) siguen siendo señaladas como sus mejores obras.
En 1975 después de haber promocionado la que se considera su obra maestra (El álbum doble “The Lamb Lies Down In Broadway”), Peter Gabriel abandona al grupo para trabajar como artista en solitario. La crítica consideraba erróneamente que sin Gabriel el grupo se acabaría, pero el cuarteto restante logra continuar con el legado, habilitando a Phil Collins como cantante.
La etapa progresiva del cuarteto termina en 1978 con la marcha del guitarrista Steve Hackett;
Si con la ausencia de Gabriel se acabó el Rock Teatral, con la de Hackett se acabó el sinfonismo progresivo, para gradualmente dar paso a nueva era. En ambos casos, los miembros restantes se negaron a reemplazar a sus miembros perdidos, continúando como trío.
En 1981 era claro que Genesis se había convertido en un grupo de Rock-FM y la estrategia resultó bien ya que empezaron a escalar posiciones en los listas de éxitos, llenaron estadios y acumularon discos de multi-platino como “Genesis” (1983) y el descaradamente pop “Invisible touch” (1986). Collins tomó el control del grupo aprovechando para promocionar de forma paralela su carrera como baladista.
Sin embargo la cuerda se rompío a mediados de los años noventa cuando Tony Banks y Mike Rutherford deciden grabar al margen de Collins, llamando al cantante Ray Wilson junto con dos bateristas de estudio. El disco “Calling All Stations” (1997) no funcionó comercialmente y el grupo se desintegra.
Durante los siguientes años no dejaron de escucharse rumores sobre una posible reunión, cosa que finalmente se confirmó en el año 2006. En un principio, se incluía en la formación a Gabriel y Hackett pero esto ha sido desmentido por lo que el grupo volverá a ser como en sus épocas comerciales: Collins, Banks y Rutherford. Según los últimos reportes, el próximo álbum aparecerá en el año del 2007.
Biografía escrita por Rhayader para “La Taberna De Rael”.
